CULTURA SUBTERRANEA

Teatro serio: el Movimiento Occupy y los cuernos gemelos de la opresión y la revolución*

2011-12-08T18:12:00.003-04:30

Publicación: 08/12/2011 10:34 am
Autor: Aeolus Kephas

Provocador ensayo en que Aeolus Kephas explora la faceta des-ilusionante del Movimiento Occupy y cómo la revolución, esencialmente egoísta, termina fortaleciendo las estructuras a las que cree oponerse.

En este post, en el que recojo comentarios recientes que hice en Reality Sandwich, Facebook y de un diálogo que sostuve con un amigo manifestante, quisiera abordar lo que tiene de desilusionante el Movimiento Occupy y cómo el activismo social solamente fortalece las estructuras que desafía. Esto no sería necesariamente malo, sin embargo, excepto porque la gente llega con propósitos y resultados específicos en mente y por esta razón termina frustrada y desilusionada. Es este aspecto desilusionante lo que considero negativo, no el activismo en sí, que como forma de pasar el tiempo es tan válida como cualquier otra (al menos para algunas personas). Hay una impresión creciente, sin embargo, de que la “revolución global” es evidencia de un cambio colectivo de conciencia y —derivando de esto la siguiente deducción “lógica”— de que esto es, de hecho, su símbolo. En mi opinión nada podría estar más alejado de la verdad, por razones que expondré a continuación lo mejor que pueda.

Anonymous me parece interesante desde esta perspectiva porque Anonymous existe en un reino de las sombras entre dos paradigmas, sin la obvia pertenencia a ninguno de ellos. De hecho aventuro que hay tres paradigmas relevantes para esta discusión: 1) el paradigma dominante del dinero, el poder, etc. 2) el paradigma opuesto de la rebelión, la resistencia, los valores comunitarios y la expresión individual 3) el paradigma que intentaré describir en este post, un paradigma que percibe los primeros dos como meras imágenes especulares de uno y otro y, por lo tanto, como igualmente obsoletas. A mi juicio, Anonymous, que existe en algún lugar entre el segundo y el tercer paradigma, no está causando ningún cambio, social u otro cualquiera, sino que está suscitando únicamente una manifestación superficial de cambio. Como su personaje inspirador Guy Fawkes/V, Anonymous trabaja con fuegos de artificio, creando un juego deslumbrante de luces y sombras que finalmente no tiene ninguna consecuencia real. Para mí es su inconsecuencia misma lo que hace todo ello mucho más puro.

Hablando recientemente con Ramsey Dukes sobre el tema, este comentó la diferencia entre el arte y la magia: la magia, dijo, trata de conseguir los resultados/cambios deseados, mientras que el arte es simplemente una liberación de las energías creativas y después un seguimiento de cómo esas energías traen el cambio, independientemente de nuestra voluntad (en el modelo cuádruple de Ramsey de Magia-Arte-Religión-Ciencia, la magia involucra al arte). El Movimiento Occupy (magia, en su mejor faceta) se superpone a Anonymous (arte, en su mejor faceta) porque algunos manifestantes utilizan máscaras y Anonymous alienta e incluso planea las protestas. Y como Anonymous, el Movimiento Occupy es una manifestación más que un catalizador de cambio. Su principal diferencia con respecto a Anonymous, es que, en mi impresión, muchos o la mayoría de los participantes de Occupy creen que están propiciando el cambio o al menos aspiran a hacerlo.

Esta es una diferencia clave. Es la diferencia entre dejar que un zeitgeist (espíritu) se mueva a través de uno (sin que sea necesario entenderlo) e intentar mover las cosas por uno mismo hacia el fin deseado. Por ejemplo: yo podría estar escribiendo este texto con miras a persuadir a otros de mi punto de vista; por el otro lado, podría simplemente estar usando las palabras como un medio para ver qué se está moviendo en el interior, qué viene a través de mí, sin ningún resultado específico en mente. En realidad es un poco de ambas —cuán efectivo será este texto será la única determinación real de qué tanto mi ego está previniendo que la interacción real (y por tanto la comunicación) ocurra.

Otra diferencia es distinguir la tiranía, la opresión, etc., de ellos, sin hacer un juicio de valor sobre ellos y tener un problema personal con ellos. Lo dicho sobre escribir este texto: si reconozco el aspecto desilusionante del Movimiento Occupy, ¿puedo hacerlo sin sentirme superior a este o sin verlo como un problema que necesita arreglarse? Para Anonymous y todos aquellos que quisieran aproximarse a la vida (incluyendo la tiranía y la opresión) en un espíritu de juego similar, el sistema global de control no es un problema que necesita arreglarse sino un digno contrincante en un gran juego de ping-pongcósmico. La diferencia entre estos dos oponentes es que un lado sabe que todo es un juego, mientras que el otro lo ve todo con mortal seriedad. Cuando los activistas toman su “revolución” en serio, yo diría que sin darse cuenta se están uniendo al lado al que se oponen, porque entonces comparten con este el mismo “espíritu”.

La revolución y la tiranía son los cuernos gemelos de un mismo demonio y la prueba es que, tal y como lo dictan las leyes físicas, la resistencia fortalece. Basado en ejemplos históricos (esto es, experiencia previa), oponerse a la estructuras de poder solamente refuerza y fortalece a largo plazo esas mismas estructuras. Como prueba A de este argumento presento el 9/11 y la resultante “guerra contra el terror”, la Patriot Act y la miríada de formas en que el gobierno de los Estados Unidos (y el global) utilizaron un acto de resistencia para consolidar su poder político y extender el aparato de tiranía, la misma tiranía que el ataque a las Torres Gemelas intentó (supuestamente) minar.

Como lo veo (y admito que no he experimentado directamente las protestas o acampadas), el Movimiento Occupy tiene dos propósitos. Primero, es una oportunidad para que la gente se reúna y conecte en una forma “divertida”, preferible a joderse con drogas y alcohol. Segundo, está sirviendo para ampliar la brecha existente entre las estructuras sociopolíticas de poder (y la supuesta “élite” detrás de estas, el 1%) y “el pueblo” (el 99%), quienes son, ambos, sujetos de dichas estructuras y, paradójicamente, quienes las preservan al depender de ellas. Como lo demuestra la reacción política reciente, el Movimiento Occupy actúa para dinamizar la vieja polarización del “nosotros y ellos”, tanto en la psique colectiva como en la individual. Todo esto es suficientemente “positivo” con miras a representar el psicodrama cristiano del Armagedón, ¿pero es eso realmente lo que deseamos?

Me parece que los Occupy de verdad quieren mejorar su suerte y la suerte de los presuntos oprimidos y en eso, quizá, radica el problema. Yo pienso que todos nosotros estamos igualmente oprimidos independientemente de nuestras condiciones sociales y que intentar mejorar esas condiciones resistiendo la corrupción gubernamental es como cambiar de lugar los muebles de una casa que está incendiándose. En cuyo caso mi pronóstico es que los niños de la revolución quedarán sumamente decepcionados cuando adviertan que el Movimiento Occupy —al energizar al enemigo— conduce a un resultado exactamente opuesto al que esperaban, esto es, a la concreción de la tiranía.

También imagino que muchos de los participantes más conscientes —de ambos bandos— saben esto, aunque puedo estar equivocado en la medida en que nada ciega más a la gente frente a la verdad que los ideales. Me parece interesante que a pesar de lo bien versados que muchos de los manifestantes de Occupy están en conceptos esotéricos, parece que operan según una interpretación de cambio social relativamente ingenua o endeble, justo como si se tratara de estructuras políticas ordinarias y seres humanos corruptos dirigiendo el show en vez de un colectivo milenario, patrones ancestrales (alias “demonios”) de la negación. Para recurrir a un gran cliché: ningún cambio puede ocurrir externamente a menos que sea consecuencia de un efecto dominó de un cambio interno. Occupy en las ciudades es una gran diversión para la opresión de nuestras vidas, pero quizá esto haga más probable que se posponga un cambio psíquico interno, o la “revolución”, más que propiciarlo.

Para ser claro: no me opongo al Movimiento Occupy ni a desafiar al “sistema”. Es un viaje de ego colectivo, en mi opinión, pero esto no debe tomarse como un juicio de valor en tanto un viaje de ego colectivo tal vez sea justamente lo que necesitamos en este momento como especie. A lo único a lo que me opongo es a la ilusión, y ya que tengo las manos llenas por haber sobrepasado mis propias ilusiones, el lector quizá se pregunte por qué estoy perdiendo el tiempo confrontando la ilusiones de otros. Mis comentarios sobre el Movimiento Occupy y todo lo demás no son más significativos o importantes que el movimiento en sí. Son también, hasta cierto punto, exhortaciones de mi ego con algo más profundo y más real moviéndose por debajo de su superficie. Diré esto: aquellos que creen que el Movimiento Occupy es parte de un cambio colectivo no necesitan defenderlo de mis ideas “heréticas” porque, si están en lo correcto, nada de lo que diga hará ninguna diferencia.

Pero desde mi punto de vista todo este movimiento se trata de mejorar las condiciones de los individuos (y grupos de individuos), lo cual implica que mana de una conciencia del ego, separatista, y que los involucrados intentan representar un cambio externo. Como una especie de teatro catártico, esto podría ser (un tanto) efectivo, pero dependería de reconocerlo como teatro, orientado no hacia reformar las estructuras externas sino hacia el cambio interno de los propios participantes. El Movimiento Occupy es parte de un proceso más amplio, claro, como la tiranía y todo lo demás. Lo que más me preocupa es que muchas personas van a ver frustradas sus esperanzas (como antes con Obama) cuando se den cuenta de que la naturaleza de la tiranía es no ceder ante la presión. O por lo menos nunca ha sucedido.

Al mismo tiempo pienso que esto apunta a un engaño mucho más grande. La mente liberal considera progresista la idea de los “derechos humanos”. Es un hecho. Pero la idea conduce inevitablemente a los derechos de los delincuentes, los derechos animales, de los insectos y así sucesivamente. ¿Dónde termina entonces el concepto de derechos? ¿Derechos de los virus? ¿De las bacterias? ¿De las enfermedades? ¿No es la idea de los derechos un concepto humano/ego-céntrico, uno de significado social y político pero no con un sentido más amplio porque no tiene equivalente en el orden natural de la existencia? ¿No es esta solo otra imposición del ego humano en lo que ya es? Yo diría que ninguno de nosotros tiene derechos porque ninguno de nosotros necesita derechos.

La idea egocéntrica de los derechos no significa que estos puedan descartarse, no más que como el síntoma de una enfermedad puede desestimarse. Mi punto, si hay alguno, es que la idea de los derechos humanos es parte del problema y no la solución. Se deriva de una idea profundamente incrustada que tenemos en Occidente, la idea de la aprobación [entitlement], la idea de que merecemos algo mejor. La única manera de determinar que merecemos algo mejor, sin embargo, es proponiendo que Dios/el Universo ha revuelto las cosas porque no estamos obteniendo lo que queremos. La mayoría de nosotros nos sentimos así (sé que yo me siento así), pero hacer de esto una filosofía y una justificación para el activismo social es tomarlo solo por su cariz infantil en el reino de la arrogancia. También hay un argumento a favor de la arrogancia, claro, así que, una vez más, ningún juicio de valor está implicado… pero, otra vez, si la gente está protestando porque creen que merecen lo mejor, eso es un tipo de aprobación. ¿De acuerdo con qué lógica merecemos algo mejor? La respuesta es: de acuerdo con la lógica humana (egocéntrica), una lógica basada en la ilusión de estar separados del sistema, tanto los pequeños sistemas del gobierno, el comercio y la opresión social, como el gran sistema de la vida como un todo. Oponerse a los pequeños sistemas es también oponerse al gran sistema, desafiar a los dioses, por así decirlo. Si primero tuviéramos que liberar nuestra mente, ¿no encontraríamos quizá que el sistema de opresión bajo el cual existimos es exactamente como suponemos que es, lo mismo que todo lo demás?

A menos de que nuestra idea de Dios sea la anticuada noción de una inteligencia externa señoreando sobre las cosas, entonces la pelea se detendrá siempre a la divina —la gran inteligencia de todo el sistema— y no en algún otro punto anterior a ese. Intentar y culpar a un sistema o grupo o individuo por la manera en que las cosas son, es tanto como decir que estos están separados de lo divino y, por lo tanto, ¡se puede e incluso se debe eliminarlos por el bien de todos! Luchar por la soberanía de uno mismo o imponer en otro la idea personal de lo que constituye una vida buena o apropiada = egotismo. Luchar por el derecho de otra persona a su soberanía personal = egotismo + arrogancia. Es cierto que parece que por doquier la gente está sufriendo y parece que esto es el resultado innecesario de un puñado de cerdos psicópatas que abusan de su poder. Pero una apariencia no es necesariamente una realidad. Si vemos a alguien agonizando en una cuneta, más que apresurarnos para ayudarlo, ¿no sería más sabio preguntarle primero si quiere recibir ayuda? Tal vez podrían estar haciendo lo de Diógenes y consideren nuestra “ayuda” como una intromisión.

El Movimiento Occupy está basado en juicios de valor a propósito de lo que constituye una buena sociedad, una dirección positiva que la humanidad debe seguir y, al menos parcialmente, la presunción de que “una utopía lo arregla todo”. Paralelamente, la idea de que lo que necesitamos proviene en buena medida de una reacción-respuesta al estado en que se encuentran las cosas, esto es, de una resistencia a un modo de vida existente que se considera “injusto” e indeseable. Todos estos occupiers tal vez se las arreglen fabulosamente mientras tengan un enemigo común al cual oponerse y estén de acuerdo, más o menos, en la forma en que las cosas deberían ser. ¿Pero qué pasaría si ese enemigo (esas viejas y caducas estructuras) repentinamente desaparecieran? Si hay una necesidad compartida de identificar y oponerse al “otro” (la opresión corporativa, la corrupción gubernamental, etc.), que mantiene unidas a estas personas, entonces, si salen victoriosos, ¿no necesitarían encontrar algo o alguien más a quien oponerse? ¿Y no se verían obligados a encontrarlo entre sus propias filas?

Una vez más estoy abierto a la idea de que verse envuelto en las protestas quizá tenga un efecto liberador en los participantes (o al menos en algunos de ellos), como jugar un buen partido de soccer o participar en una interpretación teatral o musical puede liberar (y empoderar). La pregunta obvia es, entonces, ¿seguiría siendo ese el caso si los participantes aceptaran que el Movimiento Occupy fue fútil en términos de suscitar un cambio social —o incluso de que este eventualmente provocará el efecto contrario al deseado? ¿Aun así los participantes estarían dispuestos a participar solo por el placer de hacerlo —just for the lulz? Es ese espíritu de la obra —obra seria—el espíritu del cambio real.

Como se dijo antes, algunos piensan que el Movimiento Occupy, y sus otras manifestaciones, es una expresión de un “cambio colectivo” perteneciente a la inminente Era de Acuario, el signo que rige lo colectivo. Sin embargo, la sombra de Acuario es Leo (su signo opuesto), que significa la soberanía individual y la expresión personal. Esto apoyaría mi descripción del Movimiento Occupy como un viaje colectivo de ego, como una expresión de Leo disfrazado como un movimiento de Acuario. La sombra (ilusión) anuncia la llegada de una realidad objetiva, sin embargo, esta será correcta solo si las cosas se desarrollan en este sentido. Lo que sería un error sería tomar a la sombra por la sustancia, la esperanza/ilusión por la realidad.

Siento firmemente que cuando un cambio colectivo se aproxime, no tendremos nada qué hacer con él y probablemente la mayoría de nosotros ni siquiera sabrá qué lo golpeó. Podría sugerirse que el Movimiento Occupy está sentando las bases para el cambio, pero yo pienso que no hay bases posibles o necesarias para dicho cambio. Lo que están haciendo, quizá, es limpiando el terreno, arrasando, no para que se construya un edificio utópico, sino para que una nueva y desconocida forma de vida brote, con el tiempo, de la tierra quemada.

Entretanto, mucha gente está depositando sus esperanzas en torno al movimiento, justo como hicieron recientemente con ObaMa (OM baa). Apostaría que en muchos casos se trata también de las mismas personas. Está bien y es bueno para la gente salir y relacionarse con los demás, una y otra vez, es una alternativa agradable a ver la televisión o jugar a los bolos. Quizá sea también una expresión natural de “las masas” rebelarse, por lo que por todos los medios se debe permitir que estas despierten la ira de los poderes-que-son para que la gente pueda ver el puño de hierro en acción y entender mejor la naturaleza de la Bestia. Los problemas surgen cuando la gente comienza a tomarse el activismo demasiado en serio y apuestan, tanto emocional como psicológicamente, a un resultado final imaginario, deseado (y deseable). Entonces se preparan ellos mismos no solo para la decepción, sino para niveles de amargura y rabia que posiblemente no sean capaces de manejar (o expresar constructivamente, con mucha menos creatividad). Irónicamente, es probable que tal amargura y rabia (externa) que generen muchas personas allá afuera en primer lugar, pero, al final, pronostico que esa misma energía será la que guíe a mucha gente a unirse sin percatarse a las fuerzas demoniacas a las que tan apasionadamente se oponen. Entonces serán tragadas por la bestia incluso mientas esta se devora a sí misma.

Mientras Roma ardía, tal vez la gente no dejaba de estafar. Todo cambio es bueno. Pero lo que nos está oprimiendo, en mi opinión, no son las estructuras externas sino nuestra propia importancia, nuestro sentido de la aprobación frente a un mundo hecho mierda y un futuro sombrío. Está en nosotros, como individuos, dejar de lado ese orgullo para no atragantarse con él. Estoy casi seguro de que si la gente se las arreglara para apartar su importancia personal, no necesitarían protestar o hacer algo además de cuidarse a sí mismos y a sus más cercanos. Y si todos hiciéramos eso entonces no habría necesidad de movimientos de masas. Tal vez empezaríamos a ver que nuestras condiciones son solo y exactamente lo que necesitamos, colectivamente, que el cambio, si sobreviene, sucederá por medio delas condiciones y no a pesar de ellas, y que todo lo que cualquiera de nosotros necesita hacer para cambiar su vida es simplemente dejar ir.

No importa en qué tipo de condiciones estemos viviendo, eso es lo que realmente puede hacer cualquiera de nosotros, en cualquier caso: dejar ir y recordar cómo actuar.

Aelous Kephas es uno de los más reconocidos autores del alterocultismo y la metanarrativa contemporánea. Entre sus obras publicadas destacan Matrix Warrior: Being the One, The Lucid View: Investigations Into Occultism , Ufology and Paranoid Awareness y Homo Serpiens: A Secret History of DNA from Eden to Armageddon. En Pijama Surf publicó la serie de literatura chamánica, neuronas espejo e individuación Escritores del Cielo en Hades y el ensayo La Promesa de la Serpiente (la perturbadora verdad sobre los psicodélicos).

Blog del autor: aeoluskephas.blogspot.com

*Tomado de http://pijamasurf.com/2011/12/teatro-serio-el-movimiento-occupy-y-los-cuernos-gemelos-de-la-opresion-y-la-revolucion/

Murió Christa Wolf, una controvertida y emblemática autora de la literatura alemana*

2011-12-01T14:32:00.004-04:30

La escritora alemana Christa Wolf, que hoy murió a los 82 años en Berlín, fue una de las figuras emblemáticas de la literatura germana y llegó a ser mencionada varias veces como candidata al Premio Nobel.

POR EFE

Christa Wolf fue siempre una figura polémica en Alemania por su relación con el aparato de la RDA.

Cuando Günter Grass obtuvo el galardón en 1999, el autor de "El tambor de hojalata" dijo que le hubiera gustado recibirlo conjuntamente con la escritora germano-oriental.

"Casi ninguna otra autora del último siglo puede reclamar haber sido una instancia moral para los lectores de la RDA y al mismo tiempo una figura de identificación para muchos lectores en occidente", dijo hoy el presidente de la Academia de las Artes de Berlín, Klaus Staeck Wolf, procedente de la extinta República Democrática Alemana (RDA), nació en 1929 y vivió primero bajo el régimen nazi y después el de la RDA antes de la reunificación de Alemania.

Su primera obra importante fue "El cielo dividido" que se publicó en 1962 y en la que se ocupó de los problemas de la Alemania dividida. La novela le supuso el premio Heinrich Mann y fue llevada al cine.

En 1968 apareció "Reflexiones sobre Christa T.", una obra que, según Staeck, trajo "un nuevo tono reflexivo y ensayístico en la literatura de la RDA".

En esa novela, había una apuesta por la lucha por el desarrollo de la individualidad frente a las presiones de la sociedad.

En 1976, con "Muestra de infancia", Christa Wolf fue más atrás en la historia de Alemania y se confrontó con el recuerdo de una mujer que, de niña, vivió el nacionalsocialismo, la guerra y la deportación.

Otras obras importantes suyas son "Casandra" (1983) y "Medea" (1996) en las que retomó mitos griegos.

"Casandra" se convirtió en su momento en un libro clave para las feministas y para el movimiento pacifista.

Christa Wolf fue siempre una figura polémica en Alemania por su relación con el aparato de la RDA y por haber sido informante de la policía política de ese país, la temida STASI, lo que admitió a comienzos de los años 90.

Su última novela, publicada el año pasado, fue "Stadt der Engel oder The Overcoat of Dr. Freud" (Ciudad de los ángeles o el abrigo del Dr. Freud) en la que seguía las huellas de los intelectuales alemanes que se vieron forzados a exiliarse en Estados Unidos ante la persecución nazi.

El punto de partida de esa novela fue una serie de anotaciones que Wolf hizo durante una visita a California a comienzo de los años 90 y en las que las observaciones sobre el exilio alemán se mezclaban con reflexiones autobiográficas.

Aquella reflexión coincidió con una crisis existencial precipitada por el debate acerca del papel que Wolf había desempeñado durante el régimen de la extinta República Democrática Alemana (RDA).

En 1993 Wolf se marchó a California en busca de tranquilidad para trabajar después de que estallase una discusión en torno a su relación con la STASI, de la que fue informante entre 1959 y 1962.

Desde los años 60, en cambio, Christa Wolf y su familia fueron objeto de una observación permanente por parte de la policía política de la RDA.

Wolf no abandonó el Partido del Socialismo Unificado (SED) hasta 1989, pero en su momento se distanció del régimen, como cuando se unió a la protesta de otros intelectuales en contra de la expulsión de la RDA del cantante y poeta Wolf Biermann.

En 1980 obtuvo el Premio Georg Buchner, que se considera el premio literario más importante en lengua alemana.

*Tomado de http://www.revistaenie.clarin.com/literatura/Christa_Wolf_0_601140102.html

Sexo inter-especies: Crónica de un romance entre un hombre y un delfín*

2011-09-26T16:28:00.008-04:30

El caso de Malcolm Brenner, quien sostuvo un romance sexual con Dolly, un delfin, nos invita a reflexionar sobre las relaciones eróticas entre distintas especies.

A pesar de que el título de esta nota seguramente será asociado, por muchos, a un acto de patológico bestialismo, lo cierto es que la relación que Malcolm Brenner mantuvo a lo largo de nueve meses con Dolly, un delfín hembra, en realidad remite a un romance inter-especie, a lo largo del cual ambos ejemplares, el humano y el cetáceo, compartieron voluntariamente información tanto sensorial como sentimental.

Hace un par de años Brenner, quien ahora tiene sesenta años, estrenó su libro Wet Godess (La Diosa Húmeda), en el cual relata la relación amorosa que mantuvo con Dolly a principios de los 70′s, cuando era un veinteañero. “Inicialmente ella se tornó cada vez más agresiva. Se lanzaba hacia mí para empujarme”, afirma el autor, quien narra también que con el paso del tiempo Dolly fue suavizándose en su interacción con él: “Eso me pareció extremadamente erótico. Es como estar con un tigre o un oso. Es un animal que si quisiera podría matarte en un par de segundos”.

Luego de nueve meses, periodo que duró la relación, el parque de diversiones Floridaland, propietario de Dolly, cerró sus puertas y la hembra fue trasladada al acuario Gulfport, en Mississippi, lo cual marcaría una ruptura definitiva entre ellos: “Tenía todas las intenciones de visitarla cuando yo regresara al sur, pero no funcionó de esa manera. Aprendí que los delfines pueden ser posesivos o que emocionalmente son mucho más vulnerables de lo que jamás pude imaginar.”

Curiosamente, meses después de la última vez que vio a Dolly, Brenner tuvo una precognición onírica en la que pudo visualizar la futura muerte de su ya entonces ex-chica: “Tuve un sueño vívido sobre delfines muriendo en un entono oscuro, notablemente similar al acuario en donde eventualmente ella murió”. Esta experiencia de algún modo nos remite a múltiples habilidades extra-sensoriales que les han sido adjudicados a los delfines, por ejemplo, la comunicación telepática o su capacidad para percibir el campo electromagnético que irradian otros animales.

Pero, obviamente, no todo es sensualidad interbiológica en el polémico romance de Dolly y Malcolm, ya que si bien él no infringió ninguna ley —en el estado de Florida el bestialismo se penalizó apenas este año— existen muchas voces, incluso científicas, que han condenado lo que Brenner hizo, más allá de la evidente transgresión moral a la que pudiese relacionarse su acto. “Glorificar las interacciones sexuales entre un ser humano y otras especies es inapropiado para el bienestar y la salud de cualquier animal. Pone en riesgo la propia salud y el comportamiento social del delfín”, afirma el Dr. Denise Herzing, investigador del Wild Dolphin Project.

Sin embargo, Brenner defiende tajantemente el amorío que sostuvo y asegura que su relación no lastimó al delfín: “Para algunas personas es muy difícil contemplar la posibilidad de que yo no estaba abusando al animal. Pero ellos no me vieron interactuar con el delfín. No estaban ahí. Estas criaturas básicamente tienen libre albedrío”. Y agrega, sobre la propuesta hecha por diversos científicos de que se catalogue a los delfines como ‘personas no-humanas’: “¿Qué tiene de repulsivo una relación en la que ambas partes sienten y expresan su amor por el otro? Sé de lo que hablo por que después de hacer el amor ella puso su trompa en mi hombro, me abrazó con sus aletas y nos miramos a los ojos durante un minuto. Como mamíferos conscientes de sí, los delfines son capaces de entablar lazos profundamente emocionales entre ellos y, aparentemente, también con algunas personas. Un delfín puede morir de soledad, de una ruptura amorosa o de ansiedad por una separación”.

Todas estas experiencias y reflexiones de Brenner quedaron registradas en el libro Wet Godess que comenzó a escribir en 1973, dos años después de su relación con Dolly. Por cierto, la idea de escribir el libro le fue sugerida a Brenner por el genial científico y psiconauta John C. Lilly, quien al parecer juzgó ese romance como algo digno de compartir con el mundo. Este caso nos recuerda, de algún modo, la comunión cuasi-erótica que sostuvo la científica rusa Natalia Avseenko al nadar desnuda con ballenas belugas en las gélidas aguas del Mar Ártico.

Y más allá del potencial escándalo cultural que puede provocarnos el amorío entre Malcolm y Dolly, resulta interesante tomar este caso como un pretexto para profundizar en nuestras disertaciones sobre las relaciones sexuales o románticas entre ejemplares de distintas especies. Y si tal vez, como dice el popular refrán, “el diablo está en los detalles”, entonces podríamos concebir esta relación en específico como algo considerablemente ajeno al tradicional bestialismo, el estereotipo que rige nuestro juicio sobre cualquier encuentro de este tipo entre un hombre y un animal. Tal vez.

Con información de Huffington Post

*Tomado de http://pijamasurf.com/2011/09/sexo-inter-especies-cronica-de-un-romance-entre-un-hombre-y-un-delfin/

En fotos: Lo mejor de la “marcha de las p…” en Washington y Berlín

2011-08-14T17:35:00.012-04:30

Foto: AFP Photo

Washington, 13 ago (dpa) - “¡Bienvenidas, putas, fulanas, zorras, coños, voces que no van a ser silenciadas!” El saludo fue recibido este sábado con un furibundo aplauso por las más de mil personas que desafiaron la fuerte lluvia que inundó Washington para marchar en contra de la violencia sexual y el hábito de echar la culpa de ella a las víctimas en el “Slutwalk DC”, la “marcha de las putas” que ya se ha convertido en un fenómeno mundial.

Jóvenes, mayores, mujeres, hombres, padres y madres con sus bebés, heterosexuales y homosexuales, gente vestida con ropa “provocativa” y personas que se decantaron por cómodos pantalones cortos y camisetas.

La heterogeneidad de los manifestantes que marcharon desde el parque situado frente a la Casa Blanca hasta un escenario próximo al Obelisco que domina la capital de Estados Unidos contrastaba fuertemente con el mensaje unificado que lanzaron: No es no y no hay excusa alguna para una agresión sexual.

Foto: AFP Photo

“Ms. Tracy. Soy profesora, no una puta”. Tracy Regal desfilaba portando el pequeño cartelito, de formato similar al que usa al comienzo del año escolar para presentarse ante sus alumnos de preescolar y sus padres, enganchado a su estrecho, super corto y escotado vestido negro, acompañado de unas medias de rejilla, botas de alto tacón y mucho, mucho maquillaje.

“Estamos aquí para demostrar que no importa lo que vistamos, no estamos pidiendo ser víctimas”, dijo a la agencia dpa.

El Slutwalk o marcha de las putas “es un buen mensaje a enviar diciendo que sólo por el hecho de que quizás nos vistamos de esta manera por diversión, eso no nos convierte en objetos para que alguien venga y nos arrebate nuestra voluntad”, afirmó.

Cerca suyo, Theresa, una joven madre, marchaba con su hija Virginia, de dos años.

“Yo fui vícima de una agresión sexual, y he venido con mi hija para demostrarle que eso no está bien”, explicó. La corta edad de su pequeña no fue un impedimento para llevarla a la protesta cívica.

“Ya lo entenderá, y tendrá una foto suya en un evento importante”. Esta mujer no fue la única que este sábado llevó a sus hijos a la “marcha de las putas”. Otras madres y padres también desfilaban con sus bebés en carritos con lemas como “hasta yo sé que no es no”.

“Vine porque quería demostrar que hay padres que también apoyan esto (los Slutwalks) y que van a educar a sus hijos de esa manera”, explicó Sam Freund, un residente en la capital que trajo a su hijo.

“¿Me hace esta falda ser un putón?”, preguntaba por su parte en una pancarta un hombre fornido que acudió a la marcha en un kilt, la tradicional falda escocesa vestida por los hombres.

Foto: AFP Photo

Y es que también muchos hombres acudieron este sábado a una convocatoria en la que se quiso demostrar que la violencia sexual no es sólo un problema de las mujeres. De hecho, según algunos estudios, uno de cada seis hombres en Estados Unidos han sido víctimas de algún tipo de abuso sexual antes de los 16 años, si bien es un tema poco tratado por los tabúes que rigen en esta materia.

Bien lo sabe Shawn Wright, co-organizador junto a su esposa Samantha del Slutwalk en Washington.

“Durante mucho tiempo ni siquiera podía hablar de ello, pero quiero que la gente sepa que yo fui víctima y que el efecto que ello tuvo en mí ha afectdo mi vida”, explicó en entrevista con dpa.

“Resulta muy engañoso cuando se habla siempre sobre hombres victimizando a las mujeres. Pasa en los dos sentidos y es esencial que los hombres se impliquen” en este tipo de movimientos, agregó.

Siguiendo su llamamiento, Celestino Zapata, un joven de origen mexicano y residente en Washington, acudió hoy a “mostrar apoyo no sólo por las mujeres, sino también por los hombres”, dijo.

Foto: AFP Photo

Para Zapata, no tienen sentido las críticas que se han hecho desde algunos sectores a este movimiento que surgió en Toronto a comienzos de año después de que un policía recomendara a estudiantes universitarias evitar vestirse como “fulanas” para no ser víctimas de una agresión. Esto llevó a un grupo de jóvenes a apropiarse del término “fulana” y convertirlo en un grito de guerra contra la violencia sexual.

Habían nacido los “Slutwalks” y desde entonces se han replicado en decenas de ciudades de todo el mundo vía redes sociales.

“El nombre es un tanto provocador y tiene que serlo para que la gente despierte y se dé cuenta de que sólo porque etiquetes a alguien de una manera particular no te da el derecho a violarla”, sostuvo.

Desde el podio donde víctimas de agresiones sexuales y activistas tomaron la palabra para denunciar la “cultura de la violación” existente en la sociedad, Andrea Bredbeck, escritora y realizadora, además de víctima de violación, celebró los “Slutwalks” como un primer paso contra ideas preconcebidas sobre este tipo de violencia.

“Hoy estamos dando un primer paso para deconstruir la cultura de la violación”, celebró Bredbeck, quien está filmando un documental titulado “La vida después de una violación”.

Los Slutwalks están “en más de 30 ciudades de Estados Unidos. Estamos en Amsterdam, Australia, Hong Kong, Alemania, Nueva Dehli, Reino Unido y Ciudad de México y cada uno de nosotros, en nuestra propia forma idiosincrática, estamos decididos a darle en las pelotas a la forma de pensar globalmente aceptada sobre el asalto sexual y la violación”, prometió.

Foto: AFP Photo

La marcha en Berlin

Cientos de “putas” marcharon hoy por las calles de diversas ciudades alemanas, como parte de una acción de protesta internacional en defensa de los derechos de la mujer y contra la violencia sexual. Berlin. Foto: Reuters / Thomas Peter

Berlin. Foto: Reuters / Thomas Peter

Tomado de http://www.noticias24.com/actualidad/noticia/298934/cientos-de-mujeres-piden-respeto-en-alemania-en-la-caminata-de-las-p/

En fotos: Las calles de Praga fueron escenario del orgullo gay

2011-08-13T16:05:00.003-04:30

República Checa, Praga: La gente toma parte en el festival del orgullo gay en la capital checa el 13 de agosto de 2011. El festival de cinco días, que comenzó el 10 de agosto de 2011. Foto: AFP/ Cizek MICHAL

Praga, 13 ago (EFE).- Praga fue hoy escenario de la primera marcha del Orgullo Gay en la República Checa, en la que participaron unas 5.500 personas, según la policía, y que recorrió sin apenas incidentes el centro de la capital.

El polémico encuentro se desarrolló en medio de fuertes medidas de seguridad, con perros adiestrados, miembros de la unidad antidisturbios, agentes anticonflicto y un helicóptero.

El desfile que finalizó en la isla de Strelecky, dio paso a un concierto.

República Checa, Praga: Un hombre con una máscara del presidente Vaclav Klaus, durante el festival del orgullo gay en la primera capital checa el 13 de agosto de 2011 Foto: AFP/ Cizek MICHAL

En el mismo lugar donde arrancó la marcha, la Plaza de la República, se inició una contramanifestación a favor de la familia organizada por las Juventudes Democristianas con unas 300 personas y concluyó con una misa en la Iglesia de San Bartolomé.

Varios militantes del ultranacionalista Partido Obrero por la Justicia Social aguardaron a los gays en una de las plazas por las que atravesaba la comitiva homosexual y comenzaron a gritar “Sois unos guarros” y tirarles botellas de agua.

Un grupo de cristianos exaltados se dirigió a los participantes del evento con arengas, que apenas resultaban audibles por los silbidos de los manifestantes, y que después fueron acallados por la policía.

República Checa, Praga: Una niña hace una foto de su amiga durante el festival del orgullo gay en la primera capital checa el 13 de agosto de 2011 Foto: AFP/ Cizek MICHAL

La marcha, organizada por la plataforma Prague Pride, es el punto culminante del festival homónimo, que finaliza mañana y que ha estado salpicado por la polémica después de que el Jefe de Estado, Vaclav Klaus, apoyara a dos altos funcionarios hostiles al evento.

El vicecanciller del Castillo de Praga (sede de la Presidencia), Jiri Hajek, calificó a los homosexuales de “ciudadanos desviados”.

Además, el jefe de personal del Ministerio de Educación y jefe de la plataforma conservadora D.O.S.T., Ladislav Batora, criticó al alcalde de Praga y al embajador de EEUU en Praga por mostrar su apoyo al evento de lesbianas, gays, bisexuales y transgéneros (LGBT).

República Checa, Praga: El beso de dos hombres durante el Festival del Orgullo Gay de Praga, el 13 de agosto de 2011, en la capital checa. Miles de personas marcharon hoy en Praga en el clímax del festival del orgullo gay primero en la ciudad capital, desafiando la lluvia fina y contramarchas por parte de grupos conservadores. Foto: AFP/ Cizek MICHAL

República Checa, Praga: Un hombre toma parte en el festival del Orgullo Gay de Praga, el 13 de agosto de 2011, en la capital checa. Miles de personas marcharon hoy en Praga en el clímax del festival del orgullo gay primero en la ciudad capital, desafiando la lluvia fina y contramarchas por parte de grupos conservadores. Foto: AFP/ Cizek MICHAL

República Checa, Praga: Un hombre sonríe y toma parte en el festival del orgullo gay en la primera capital checa el 13 de agosto de 2011 El festival de cinco días, que comenzó el 10 de agosto de 2011. Foto: AFP/ Cizek MICHAL

Los participantes bailan durante el desfile del orgullo Praga, donde varios miles de personas marcharon por el centro de la ciudad de Praga en apoyo de los derechos de los homosexuales 13 de agosto 2011. Foto: REUTERS / David W Cerny

Un participante tiene una bandera del arcoiris durante la Marcha del Orgullo Praga, donde varios miles de personas marcharon por el centro de la ciudad de Praga en apoyo de los derechos de los homosexuales 13 de agosto 2011. Foto: REUTERS / David W Cerny

Los participantes se besan durante el desfile del Orgullo Praga, donde varios miles de personas marcharon por el centro de la ciudad de Praga en apoyo de los derechos de los homosexuales 13 de agosto 2011. Foto: REUTERS / David W Cerny

Miles de participantes en el desfile del Orgullo Praga marcha por el centro de la ciudad de Praga en apoyo de los derechos de los homosexuales 13 de agosto 2011. Foto: REUTERS / David W Cerny Tomado de http://www.noticias24.com/actualidad/noticia/298926/en-fotos-las-calles-de-praga-fueron-escenario-del-orgullo-gay-2/

Damien Hirst*

2011-08-12T12:23:00.012-04:30

Damien Hirst (Bristol, 7 de junio de 1965) es un artista británico, el más prominente del grupo llamado Young British Artists («jóvenes artistas británicos», o YBAs por sus siglas en inglés). Ha dominado la escena del
arte en Inglaterra desde principios de los 90 y es internacionalmente conocido como el artista vivo con la obra mejor pagada.

Biografía

Nació en Bristol y creció en Leeds. Su padre, mecánico automotriz, dejó a su

familia cuando Hirst tenía 12 años. Su madre, Mary, católica, trabajó para la Citizens Advice Bureau y afirma que perdió el control sobre el artista cuando éste era muy joven. Hirst fue arrestado en dos ocasiones por robo en tiendas. Por su parte, Damien veía a su madre como persona intransigente: ella en cierta ocasión recortó y adecentó sus pantalones punk, y calentó en un horno uno de sus discos de los Sex Pistols para convertirlo en un bol de frutas. Damien afirmó: « Si a ella no le gustaba cómo iba vestido, me recogía rápidamente de la parada de autobús ». Lo que sí hizo la madre fue fomentar su gusto por el dibujo, su única materia escolar exitosa.

Su profesora de arte suplicó que a Hirst le permitieran la entrada en el sexto curso, donde obtuvo buenas calificaciones, logrando un nivel "E" en la asignatura de arte. Asistió la Universidad de Leeds, en Arte y Diseño, aunque la primera vez que lo solicitó se le denegó la admisión. Trabajó durante dos años en la habilitación de solares de construcción en Londres; luego estudió Bellas Artes en Goldsmiths, Universidad de Londres (1986-89), aunque de nuevo vio rechazada su primera solicitud. Siendo estudiante, Hirst trabajaba a tiempo parcial en una morgue, una experiencia que influyó posteriormente en su elección de temas y materiales.

Hirst ha admitido siempre serios problemas de drogas y alcohol, al menos durante diez años, del periodo de los 90 en adelante: « Empecé a consumir cocaína y a beber... Me trasformé en un balbuceante naúfrago de mierda ». Durante este tiempo fue reconocido por su salvaje comportamiento y actos escandalosos, incluyendo, por ejemplo, colocarse un cigarrillo en la punta del pene delante de los periodistas. Fue un asiduo del elegante Groucho Club, en el Soho londinense, del que fue expulsado y vetado alguna vez por su mal comportamiento.

En 2002, Hirst dejo de fumar y beber, sin embargo el resultado a corto término fue que su esposa Maia « tuvo que mudarse debido a que yo me había vuelto insoportable ». Hirst había conocido a Joe Strummer (el antiguo cantante de The Clash), en Glastonbury, en 1995; se habían hecho grandes amigos, e incluso celebraban las fiestas familiares juntos. Justo antes de la navidad de 2002, Strummer murió de un ataque cardíaco fulminante. Este acontecimiento tuvo un profundo efecto en Hirst, quien declaró: « Ésta es la primera vez que me he sentido mortal ». Tras esta desgracia, donó mucho de su dinero y dedicó gran parte de su tiempo a la fundación de caridad Strummerville, dedicada a ayudar a jóvenes músicos. Asimismo, últimamente Hirst ha demostrado gran interés por el cristianismo.

Obra

Está casado con la californiana Maia Norman con quien tiene 3 hijos: Connor, nacido en 1995, Cassius, nacido en el 2000, y Cyrus, nacido en 2007. Desde el nacimiento de Connor, ha pasado la mayor parte de su tiempo en su conocida casa de campo, una posada de 300 años de antigüedad, situada en el norte de Devon.

La muerte es el tema central de su trabajo. Es conocido sobre todo por sus series de Historia natural ("Natural History"), en las cuales, animales muertos (como tiburones, ovejas o vacas) son preservados, a veces diseccionados, en formol. Uno de sus trabajos más icónicos es La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo (The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living). Se trata de un tiburón tigre de 14 pies de largo inmerso en una vitrina con formol. Debido a la descomposición del tiburón tigre, fue reemplazado con un nuevo especimen en 2006.

Su venta por 10 millones de dólares, en 2004, hizo de él el segundo artista vivo más caro, después de Jasper Johns. En junio de 2007, Hirst logró superar a Jaspers en este apartado con la venta de su "Cofre de medicinas" (Medicine Chest, en la exposición Lullaby Spring), por nueve millones seiscientas cincuenta mil libras esterlinas, en la casa de subastas Sotheby's en Londres. El 30 de agosto de 2007, Hirst superó su anterior venta de Lullaby Spring con su trabajo Por el amor de Dios (For the Love of God), una calavera humana auténtica, toda ella incrustada de diamantes, 8.601 en total, que alcanzó los cincuenta millones de libras esterlinas (74 millones de euros), pagados por un grupo inversionista desconocido (posteriormente, se supo que el propio Hirst, su manager y uno de sus galeristas pertenecían al consorcio) (diario El País, 05/01/2008).¹ ² Otra gran venta fue la conseguida por El becerro de oro (The golden calf), por la que obtuvo en Sotheby's10.34 millones de libras (unos 14 millones de euros). Se le calcula una fortuna superior a los mil millones de dolares, siendo más rico que otros conocidos magnates británicos como Mick Jagger o Elton John.³

También es conocido por sus pinturas girantes («spin paintings»), hechas en una superficie circular girante, y pintura de puntos («spot painting»), los cuales consisten en filas de círculos coloreados al azar; estas obras han sido muy imitadas en gráficos comerciales.

Durante los años noventa estuvo relacionado con el coleccionista Charles Saatchi, pero las fricciones se incrementaron hasta el punto de acabarse la relación en 2003.

Siendo la muerte el tema central en su obra, ésta siempre ha estado rodeada de gran polémica, más o menos premeditada, y por consiguiente de un gran seguimiento mediático. Por ejemplo, las autoridades de Nueva York le negaron en su día el permiso para exponer suPareja muerta follando dos veces, dos cadáveres de un toro y una vaca flotando en formaldehído. Muchos han dicho que está loco por las obras que hace, pero sus obras son impresionantes

Rescue Damien Hirst

En Julio del 2011 aparece la pagina web recuedamienhirst.com la cual muestra un video de musical de un cantante Mexicano llamado “el Komander” dónde aparece una imagen de la escultura del artista británico “For Love of God”. Ya que la canción habla del estilo de vida de un narcotraficante y pone en este contexto la obra de Hirst , la pagína invita a los cibernautas a “rescatar simbólicamente” la pieza más cotizada del artista de las manos del crimen organizado por medio de Twitter mediante el Trend Topic #rescuedamienhirst.

“Al igual que la persona que sobrevive a un secuestro y regresa con secuelas físicas y psicológicas, la imagen de "For the Love of God” regresará virtualmente a Hirst y al mundo del arte con modificaciones (Ya sea mediante el video en crudo o por cambios realizados por los usuarios). Rescatemos la obra de Damien Hirst.” Extraído de la pagina web

Referencias

↑ La calavera humana incrustada de diamantes se vende por 74 millones de euros. Publicado en El Mundo, 31/08/2007. Último acceso,16/09/2008 Mucho arte para... ¿el fraude?.
↑ Vanidad y radiante calavera. Publicado en El País, 05/01/2008. Último acceso, 16/09/2008.
↑ Hirst bate sus propios records y vende su 'vaca' por 13 millones de euros. Publicado en El País, 15/09/2008. Último acceso, 16/09/2008.

*Tomado de Wikipedia

Muere el escritor Eliseo Alberto, “Lichi”, a los 59 años

2011-07-31T20:00:00.010-04:30

Cultura • 31 Julio 2011 - 10:03am — Milenio.com

En 1998, ganó el Premio Internacional Alfaguara de Novela por su obra Caracol Beach. Desde 1990, el escritor vivía en la Ciudad de México y adoptó la ciudadanía en 2000.

Foto: Claudia Guadarrama

Eliseo Alberto murió hoy a los 59 años de edad, en el Hospital General, donde permanecía internado luego de que recibió un trasplante de riñón.

Ciudad de México • El escritor de origen cubano y colaborador de MILENIO, Eliseo Alberto de Diego murió hoy a los 59 años de edad, en el Hospital General, donde permanecía internado luego de que el 18 de julio recibió un trasplante de riñón.

En su cuenta de Twitter, Consuelo Sáizar, presidenta del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) confirmó hoy la noticia.

“Con profundo dolor me entero del fallecimiento del escritor de enorme talento y entereza, Eliseo Alberto, "Lichi". Un abrazo a su familia”, escribió la presidenta de Conaculta en su cuenta @CSaizar.

Según uno de los amigos cercanos, Jorge F. Hernández, el escritor falleció hoy a las 9:29 horas, de problemas respiratorios.

De acuerdo con sus palabras, el riñón lo había aceptado muy bien su organismo, pero era un fumador empedernido, por lo que los problemas que tenía se debían a eso. Incluso, hace unos días hubo una convocatoria en redes sociales para donar sangre, pedían ir al Hospital General, donde se encontraba.

Sobre su funeral, él mismo asegura que hay posibilidades de que se lo lleven a La Habana, "aunque esto creo que deberíamos manejarlo hasta su confirmación".

Eliseo Alberto de Diego García Marruz, a quien sus amigos llamaban cariñosamente “Lichi”, nació el 10 de septiembre de 1951, en Arroyo Naranjo, Cuba, donde se desempeñó como periodista.

Desde 1990, el escritor vivía en la Ciudad de México y adoptó la ciudadanía en 2000.

En 1998, Eliseo Alberto ganó el Premio Internacional Alfaguara de Novela por su obra Caracol Beach.

Otra de sus obras importantes es Informe contra mí mismo, escrita en 1978 y publicada más tarde en el extranjero.

En los últimos años, todos los jueves Eliseo Alberto publicaba su colaboración en Milenio Diario.

Antes de ingresar al hospital, Eliseo Alberto escribió en su colaboración en MILENIO el 14 de julio, bajo el título “Eso que llaman amor para vivir”, su travesía para lograr que el trasplante de riñón

En su escrito, Eliseo Alberto cuenta cómo, después de tres años de espera, se enteró por medio de una llamada telefónica de que la espera había terminado.

“El sábado pasado, a la noche, recibí una llamada telefónica de alarma y el domingo, en ayunas, un segundo y tercer timbrazo me advirtió que la hora había llegado, después de tres años de espera. Debía presentarme de urgencia en el Hospital General de México con todos los documentos en regla —más la totalidad de mis fantasías a la mano, pues soy de los tercos que aún creen que sólo la poesía explica los milagros. Una familia bondadosa había aceptado donar los órganos de un pariente en situación terminal, y yo era uno de los siete u ocho candidatos a recibir alguno de sus dos riñones”, escribió.

Para finalizar su escrito, Eliseo Alberto eligió el siguiente poema de Neruda:

Queda prohibido llorar sin aprender, /levantarte un día sin saber qué hacer, /tener miedo a tus recuerdos. /Queda prohibido no sonreír a los problemas, /no luchar por lo que quieres, /abandonarlo todo por miedo, /no convertir en realidad tus sueños. /Queda prohibido no demostrar tu amor. /Queda prohibido dejar a tus amigos. /Queda prohibido olvidar a toda la gente que te quiere.

El cuerpo del escritor será llevado esta tarde a una funeraria ubicada en Coyoacán para ser velado.

Tomado de http://www.milenio.com/cdb/doc/noticias2011/8e8cb7bc4e8cf619c658bc3f7b07f338

Eliseo Alberto

Eliseo Alberto, de nombre completo Eliseo Alberto de Diego García Marruz, Lichi para sus amigos (10 de septiembre de 1951, Arroyo Naranjo, Cuba - 31 de julio de 2011, México, D. F.¹ ), fue un periodista, novelista, poeta y guionista cubano que vivió en México desde 1990 y cuya ciudadanía adoptó en 2000.² 3

Biografía

Hijo del poeta cubano Eliseo Diego, se licenció en periodismo en la Universidad de La Habana, fue jefe de redacción de la gaceta literaria El Caimán Barbudo y subdirector de la revista Cine Cubano.² Como docente, ha impartido clases y talleres de cine en la Escuela Internacional de Cine de San Antonio de los Baños, Cuba, el Centro de Capacitación Cinematográfica de México y el Sundace Institute de Estados Unidos y en Chile.

Su hermana gemela, Josefina de Diego (María Josefina de Diego García Marruz, Fefé para sus amigos), que ha permanecido en Cuba, también es escritora: ha publicado un exitoso libro para niños, se dedica a la traducción del inglés al español y es compiladora de la obra de su padre.

Eliseo Alberto adquirió fama internacional después de ganar el Premio Internacional Alfaguara de Novela de 1998 con su novela Caracol Beach.⁴

Sostenía que «el ajedrez sigue siendo la pasión más grande» de su vida. Era un gran cocinero, como él mismo afirmaba: «Me gusta la cocina, he aprendido que soy un cocinero extraordinario. Eso lo aprendí cuando me quedé solo con mi hija que era muy pequeñita. A mí la cocina me entretiene muchísimo. Cocino mucho, en mi casa todos los días van a comer diez o doce amigos, casi todos cubanos errantes también, exiliados. Muertos de hambre que van a la casa a buscar su olla popular, digamos. La cocina me entretiene mucho, me encanta cocinar, me gustaría escribir un libro de cocina».⁵

Sus esposas han sido: la bailarina cubana Rosario Suárez, Charín (Eliseo Alberto ha dicho que dejó de escribir poesía el día que se divorciaron)⁶ ; María del Carmen Álvaro Díaz, quien el 1 de junio de 1984 dio a luz a su hija María José; y Patricia Lara, por cuyo amor dice haberse instalado en la parte alta del Desierto de los Leones.⁷ En sus últimos años vivió con su hija María José en un departamento en la Colonia Del Valle, zona céntrica de Ciudad de México.

Falleció en la Ciudad de México el 31 de julio de 2011, a los 59 años de edad, tras estar varios días en terapia intensiva luego de ser intervenido quirúgicamente por un transplante de riñón.⁸

Obras

Poemarios

Importará el trueno (1975, La Habana, UNEAC)
Las cosas que yo amo (1977, La Habana, Ediciones Unión)
Un instante en cada cosa (1979, La Habana, Ediciones Unión)

Novelas

La fogata roja. La Habana, Gente Nueva, 1985.
La eternidad por fin comienza un lunes. México, Ediciones del Equilibrista, 1992.
Caracol Beach. Madrid, Alfaguara, 1998.
La fábula de José. México, Alfaguara, 2000.
Esther en alguna parte (2005), Espasa. Finalista Premio Primavera de Novela. ISBN 88467017595, 198 p.
El retablo del conde Eros (2008), ed Planeta Mexicana, El Aleph.

Otros

Informe contra mí mismo, escrito en 1978 y publicado más tarde en el extranjero; narra cómo la seguridad del Estado cubano le pidió que hiciera un informe contra su propia familia; Editorial Aguilar, Altea, Taurus, Alfaguara, 1997 ISBN 968-19-0339-0, 9789681903398, 293 p.
Dos cubalibres: nadie quiere más a Cuba (2004, Península). Artículos y entrevistas
Una noche dentro de una noche (2006, Cal y Arena), recopilación de 75 entregas de su columna periodística Rueca dentada en el diario mexicano La Crónica de Hoy
Breve historia del mundo (Santillana México, Literatura Infantil)
Del otro lado de los sueños (Santillana México, Literatura Infantil)
En el jardín del mundo (Santillana México, Literatura Infantil)

También ha escrito guiones de cine y televisión, entre otros el de la película Guantanamera (película) (1997), dirigida por Tomás Gutiérrez Alea. Él mismo es muy crítico con su talento de guionista: "He escrito varias de las peores películas que se hayan filmado nunca en el planeta", ha dicho al respecto.⁶

Premios y distinciones

Premio Nacional de la Crítica 1983 por La fogata roja,
Premio Internacional Alfaguara de Novela 1998 por Caracol Beach
Premio Gabino Palma por Informe contra mí mismo

Referencias

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Eliseo_Alberto

Eliseo Alberto trae al Conde Eros a la FIL

El erotismo dejó de ser arte con Playboy

Eliseo Alberto de Diego, novelista, periodista y poeta, presenta El retablo del Conde Eros en la Feria Internacional del Libro de Monterrey, donde retoma un panorama de la vieja Habana nocturna.

2008-11-25•Cultura

El teatro erótico que realizaba el dramaturgo Conde Eros, en la antigua Habana tenía sus tintes de magia, de misticismo y estaba dirigido a toda clase de públicos, pues bien se podía exhibir una obra para varones que para homosexuales.

Eliseo Alberto de Diego, novelista, periodista y poeta, presenta El retablo del Conde Eros en la Feria Internacional del Libro de Monterrey, donde retoma un panorama de la vieja Habana nocturna, donde el pecado estaba en todas partes sin que esto fuera tomada como algo histérico o clandestino.

“De esa Habana ya no queda nada”, expresa Eliseo Alberto tajante. También asegura que, aunque la palabra “nostalgia” es hermosa, no la prefiere utilizar pues desea que su novela sea algo como un homenaje a la obra del Conde Eros.

De aquellos tiempos no queda nada, pues con la Revolución cubana la transformación social llegó y la forma de acceder a los placeres cambiaron. “Con el teatro del Conde Eros existía sexo en vivo, eso era lo que buscaban tanto hombres como mujeres. Incluso, la obra Las mujeriegas trata la relación homosexual de mujeres”, explicó.

Incluso, de aquella sensualidad erótica tampoco queda nada, expresa el también colaborador de MILENIO. “Todo se vulgarizó con la televisión, con la llegada de Playboy”, objetó.

También, la modernidad ha traído una debacle en la forma en que se aborda el erotismo y la sensualidad por la literatura. “Se ha tratado mal este tema”, asegura. Alberto de Diego trajo a la mesa una novela de publicación “reciente” de Oscar Wilde. “Ahí se trata el tema de la homosexualidad de una forma que jamás lo he leído”, declaró.

Al final de la charla y sin ataduras, Eliseo Alberto se declaró admirador de Juan Gabriel, “quizás el último gran ídolo del pueblo mexicano”. En plena gira de más de 20 conciertos en la Ciudad de México, el llamado Divo de Juárez ha logrado en todos sus conciertos un lleno absoluto. Para Eliseo Alberto, la composición, la música, y el carisma del cantante son elementos que lo elevan a categoría de “ídolo popular”.

“Juan Gabriel es un gran hombre”, aseveró.

Tomado de http://impreso.milenio.com/node/8119282

Habana gay

Eliseo Alberto

2011-06-30•Acentos

La débil pero significativa apertura del tema gay (lésbico, travestis, transgénicos) en la sensual isla de Cuba, después de tantas décadas de asechanza, cobró inesperada presencia en los medios de comunicación cuando, en agosto del año pasado, la periodista Carmen Lira le recordó al comandante Fidel Castro que hace cincuenta años se marginó a los homosexuales cubanos y a muchos se les envió a campos de concentración (UMAP, Unidad Militar de Ayuda a la Producción), acusados de contrarrevolucionarios. La directora del diario La Jornada le dijo entonces al veterano guerrillero: “Todo el encanto de la Revolución, el reconocimiento, la solidaridad de una buena parte de la intelectualidad universal, los grandes logros del pueblo frente al bloqueo perdieron reconocimiento por causa de la persecución a los homosexuales”.

Fidel respondió con astucia al reconocer y a la vez justificar su responsabilidad en dichos atropellos: “Fueron momentos de una gran injusticia... ¡Una gran injusticia!, la haya hecho quien sea. Si la hicimos nosotros, nosotros... Estoy tratando de delimitar mi responsabilidad en todo eso porque, desde luego, personalmente, yo no tengo ese tipo de prejuicios. Teníamos tantos problemas de vida o muerte que no le prestamos atención... Piensa cómo eran nuestros días en aquellos primeros meses de la Revolución: la guerra con los yanquis, el asunto de las armas, los planes de atentados contra mi persona... Si alguien es responsable, soy yo... En esos momentos no me podía ocupar de ese asunto... (...) Fui homofóbico porque los cubanos lo eran”...

Una confesión de ese tamaño era lo que necesitaba su sobrina Mariela Castro, “ministra de ultramar”, directora del oficialista Centro Nacional de Educación Sexual (Cenesex), hija del hoy presidente Raúl Castro, para tomar por asalto una calle de La Habana y en intemperante manifestación enarbolar por igual banderolas con los colores del arcoíris, fotos de los cinco famosos espías cubanos prisioneros en cárceles de Estados Unidos, retratos de su tío barbudo, consignas contra el bloqueo y globitos de preservativos, pocas semanas después de que sus parientes le autorizaran desfilar sin pelucas ni coloretes excesivos, mezclados “locas y travestis” entre la disciplinada clase obrera de la isla —un sector tan dócil que esa mañana del 1 de mayo, Día Internacional del Trabajo, sus líderes sindicales celebraban como “una victoria” la anunciada cesantía de un millón y medio de agremiados.

En la entrevista con Carmen Lira, el comandante asumía con perspicacia su cuota de responsabilidad en aquella cacería de pájaros, pero, una vez más, terminaba culpando al imperialismo yanqui de todos los errores ideológicos y todas las catástrofes económicas y todas las persecuciones morales que (una a una) fueron ordenadas en La Habana, nunca en Washington.

El periodista cubano Armando López, cronista excepcional de la “farándula habanera”, conocedor en carne viva la profundidad de aquellas viejas cicatrices, respondió a tío y sobrina desde su exilio en Nueva York con un esclarecedor artículo: “Cuando les cuentan a los congueros de Mariela que hace 46 años existieron en Cuba campos de trabajos forzados para homosexuales; que los expulsaban del magisterio, de la televisión, de los grupos teatrales, de las universidades, para que no contagiaran con sus depravaciones al hombre nuevo; que en 1980 las turbas revolucionarias apedrearon sus casas, vociferando ¡Qué se vayan, los maricones!, les sucede lo que a mí cuando me hablaban de los crímenes de Machado. ¡No les interesa! (...) Estos travestis, transgéneros, lesbianas, homosexuales, que arrollaron en la conga con la hija del general, sólo practican la doble moral imperante en Cuba. No tienen la culpa. Crecieron en una economía de guerra, aprendieron a mentir para sobrevivir. Son víctimas de una absurda revolución. Como tú y como yo, amigo lector”.

El 13 de marzo de 1963, en escalofriante discurso que recuerdan Armando López y el poeta Félix Luis Viera (de joven confinado a una barraca de la UMAP), Fidel Castro apela a la ironía para abordar un tema que en verdad le produce extraña rabia: “Muchos de esos pepillos vagos, hijos de burgueses, andan por ahí con unos pantaloncitos demasiado estrechos (Risas del público). Algunos de ellos con una guitarrita en actitudes elvispreslianas, y que han llevado su libertinaje a extremos de querer ir a algunos sitios de concurrencia pública a organizar sus shows feminoides por la libre. (...) Hay unas cuantas teorías, yo no soy científico, no soy un técnico en esa materia (Risas), pero sí observé siempre una cosa: que el campo no daba ese subproducto”. Y al campo los envió.

El martes pasado, un grupo de no más de veinte “subproductos” independientes desfilaron por un paseo peatonal de La Habana para celebrar el Día del Orgullo Gay, y marcar su distancia con Mariela Castro. El evento atrajo una fuerte presencia policial pero transcurrió en paz. Caminaron 800 metros. Se abrazaron en el malecón. Regresaron a casa con ese alivio, pasajero pero espiritual, que daba (es sólo un mal ejemplo) tragar en seco la Primera Comunión.

Tomado de http://impreso.milenio.com/node/8984166

La infancia de Teodoro Petkoff, en El Batey*

2011-07-26T10:37:00.006-04:30

Por: Milagros Socorro

Un texto narrativo de Milagros Socorro sobre la infancia de Petkoff en un recodo del sur del lago de Maracaibo

La temperatura puede rondar los 40 grados. Y así cualquier día. Da igual la época del año. Los tres niños posan para su padre. Están acostumbrados a pararse delante de una inmensa cámara de fuelle rematada en un trapo a cuya sombra se cobija el fotógrafo. El hombre les da indicaciones, hace girar un lente y se mete debajo de una especie de falda para fijar la imagen. Es como si quisiera que alguien más participara de la infancia de sus hijos, esa niñez excéntrica cuyo escenario y pormenores van a necesitar de mucha documentación visual para hacerse creíble a los ojos europeos. Si es que queda alguien a quien echarle el cuento de la peripecia venezolana de los Petkoff Maleç.

Los niños de la foto son los hijos de Petko Petkoff e Ida Maleç (o Malek) de Petkoff. El mayor es Teodoro y los otros son sus hermanos, los gemelos Luben y Mirko. Sus primeros años de vida han transcurrido en el Central Venezuela, en un recodo del sur del lago de Maracaibo, donde fueron tomadas las fotografías.

La pareja Petkoff Maleç llegó a Venezuela a mediados de los años 20. Petko era un comunista búlgaro, exiliado en Checoslovaquia, e Ida era judía polaca, proveniente de una familia jasid. Los muy conservadores grupos jasídicos se distinguen fácilmente porque los hombres usan sombreros negros de estilo español de donde escapan bucles solitarios a ambos lados de la cabeza, mientras que las mujeres llevan largas faldas y están obligadas a taparse el cabello con pañoletas o pelucas. Por tanto, Ida tuvo que romper con su familia para estudiar. Ingresaría a la carrera de Medicina, en Checoslovaquia, donde conoció a Petko, estudiante de Ingeniería Química. Se graduaron y se fueron juntos a París, donde Ida hizo estudios de posgrado. Es posible que estuviera demasiado concentrada en su tesis y no hubiera advertido que su flamante esposo intercambiada cartas con el único búlgaro (quizás había dos) que había en Venezuela. Esta singular criatura le aseguró al incauto Petko que Venezuela era el país del futuro. Fue así como embarcaron en un puerto francés y al término de la travesía se encontraron, encandilados, en La Guaira.

El primer empleo del ingeniero Petkoff fue en la Cervecería Caracas… donde cargaba cajas. Hasta que un día vio un avisito en el periódico. Era una oferta de trabajo del Central Venezuela, que era el central azucarero más importante de Venezuela para la época. Es posible que hayan permanecido un par de años en Caracas antes de seguir su camino al interior del país, porque, en 1928, Ida Maleç se convirtió en la primera mujer que obtuvo el título de médico por reválida en Venezuela.

Cabe asegurar que rindió sus pruebas en perfecto castellano. Ida Maleç era una políglota excepcionalmente dotada. Hablaba, leía y escribía con fluidez y corrección once lenguas: polaco, porque esa era su nacionalidad; yidish y hebreo, porque era judía y venía de una familia religiosa; ruso, porque era la lingua franca del área donde ella se desenvolvió en Europa; alemán, porque lo estudiaba la gente culta de la época; checo, porque estudió Medicina en Praga; búlgaro, porque al casarse con Petkoff residieron en Bulgaria por un tiempo; francés, porque hizo una especialización médica en una universidad en París; español, que cogió al vuelo en Venezuela y llegaría a dominar como una nativa; y, una vez de regreso en Caracas, tras la década de El Batey, se puso a estudiar inglés e italiano hasta usarlos con solvencia. Petko, en cambio, solo hablaba búlgaro y ruso. Se volvió un criollazo, pero abría la boca y era un musiú, tal era su acento. Entre ellos hablaron ruso desde el día en que se conocieron, cuando uno no hablaba la lengua del otro, hasta que la muerte los separó.

Nadie sabe ahora si buscaban los servicios de un químico o un médico pero el caso es que, al descubrir que el cónyuge del solicitado era también profesional especializado, su curriculum se hizo más interesante y los dos fueron contratados. Llegarían a Maracaibo, donde se embarcaron en una piragua que cruzaba el lago, único medio de transporte para llegar a Bobures, capital del distrito (ahora municipio) Sucre, en el Zulia. Después de atravesar el lago en toda su extensión, llegaron a Bobures y de allí siguieron camino por tierra hasta llegar El Batey, aldea que brotó como una floración del Central Venezuela, con 40 grados a la sombra y mucho paludismo. Toda la familia contraería la enfermedad, menos Teodoro.

El Diccionario de la Real Academia Española establece que la palabra batey es de origen caribe. “En los ingenios y demás fincas de campo de las Antillas, lugar ocupado por las casas de vivienda, calderas, trapiche, barracones, almacenes, etc.”. Pues bien, El Batey es la pequeña población donde han vivido tradicionalmente los trabajadores de la caña de azúcar y del Central Venezuela específicamente.

Tal como informa el Diccionario General del Zulia, editado por el BOD, el Central Venezuela fue obra del emprendimiento de Juan Evangelista París y Moisés Henríquez, quienes, en 1912, fundaron una pequeña compañía para la explotación de la caña, en Bobures, distrito Sucre. “Interesaron al capital americano y el 16 de mayo de 1913 se fundó una gran empresa azucarera denominada Venezuela Sugar Company, con un capital de un millón 500 mil dólares, dedicándose a la agricultura y a la manufactura de caña de azúcar. En 1919 se convirtió en el Central Venezuela, con capital únicamente venezolano de 12 millones de bolívares. […] Tuvo un ramal de la carretera Panamericana, una red de ferrocarril, un campo de aviación y un muelle. Producía azúcar refinada, denominada Cristal. Fue administrado por muchos años por la familia París con otros socios. En 1966 fue adquirido por la familia Brillembourg”.

Al químico y la médica les asignaron la mejor casa del Central Venezuela. Una residencia grande construida en madera, sostenida por pilotes, bien ventilada, con una amplia terraza cercada por una veranda donde venían a recostarse los miembros del personal staff, todos extranjeros, que se dejaban caer por las tardes, después del trabajo, en casa de los Petkoff Maleç.

Conocida como el enclave negro del Zulia, Bobures es un pequeño puerto y es la capital del municipio Sucre, ubicado en el extremo sur del lago de Maracaibo. Su conformación territorial es curiosa porque está conformado por dos pedazos divididos por una franja que se le concedió a Mérida para que tuviera salida al estuario. Sus primeros poblados, San Pedro y Gibraltar, fueron fundados en 1516; y muy rápidamente comenzaron a llegar esclavos del África para cultivar la tierra. De hecho, el auge de Gibraltar comienza en el siglo XVII, cuando la Compañía de Jesús desarrolló el cultivo del cacao con tal éxito que llegó a establecer comercio con México y Europa.

Los Petkoff Maleç distaron mucho, pues, de ser los primeros inmigrantes llegados a aquellos parajes, poblados ya intensamente por varias generaciones de afrodescendientes. Ellos iban a residir allí durante 12 años. Petko Petkoff era el ingeniero químico de la industria y la doctora Maleç, la médica de los trabajadores del central, así como de los caseríos y pueblos vecinos, cuyos habitantes venían a la medicatura del Central a verse con ella. Llegó a ser tan popular que por ahí hay un foto donde aparece ella lanzando la primera bola en un juego de pelota sabanera en El Batey.

-Yo recuerdo especialmente los habitantes de la vecina población de Torondoy –dice Teodoro Petkoff- porque de allí es [el intelectual, columnista del diario TalCual] Oswaldo Barreto; y alguna vez su mamá lo llevó a consultar a mamá, de manera que es posible que nos hayamos conocido desde entonces.

El 3 de enero de 1932, cuando los Petkoff tenían ya cuatro años establecidos en el Central, nació su primogénito, Teodoro. Nacería en Maracaibo, porque la doctora Maleç no podía atender su propio parto. Cuando le llegó el momento, tomó una piragua y se fue a la capital zuliana. Daría a luz en el Hospital Central, que está frente al malecón. Y, en cuanto estuvo en condiciones de viajar otra vez, hizo el viaje de vuelta con su bebé. No sin antes inscribirlo debidamente en el registro como natural de Maracaibo.

-El Batey no solo fue el primer lugar donde viví –dice Teodoro Petkoff- sino también donde vi de cerca la miseria. Hay que ver cómo vivía esa gente en los galpones miserables donde se hacinaban las familias de los trabajadores. Yo nací en la casa más cómoda del Central, pero de la puerta para afuera estaba el otro país. Puedo decir, por eso, que yo nací en el país que no suele verse. En una ocasión, mamá tuvo que amputarle las dos piernas a un guajiro que había tenido un accidente y había sido aprisionado por una de las máquinas donde se hacía la molienda de la caña. Como no había anestesia, ella lo hizo tomarse una botella de brandy íntegra antes de proceder con la operación. Desde mi casa yo oía los gritos desaforados del hombre en trance de ser doblemente amputado sin más alivio que un litro de licor. Ese era el país donde yo viví mis primeros años.

En ese pequeño planeta soleado, impregnado del perfume de la caña molida, transcurrió la infancia de los niños de la fotografía. No iban a clases. Se pasaban el día jugando, corriendo por allí con los niños de El Batey, trepando árboles, retozando en el río Torondoy, de frías aguas que bajan de los Andes con prisa por avenar en el lago. “La primera fractura y el primer yeso que tuve en la vida (me he pasado buena parte de la vida enyesado) fue ahí, porque me caí de una mata y me fracturé la pierna derecha”, dice Petkoff.

Durante ocho años, esa fue la vida de Teodoro Petkoff. En nada diferente a la que llevaban los hijos de los obreros del Central, a diferencia quizá de que éstos no tenían triciclos propios. No había siquiera divergencias religiosas, puesto que en el hogar de los musiues ni se mencionaba el asunto de la confesión. “Una vez”, recuerda Teodoro, “un muchachito de El Batey me dijo que los judíos habían matado a Cristo. Yo salí corriendo a preguntarle a mamá cómo era eso de que los judíos eran los asesinos de Cristo. No recuerdo la explicación que ella me dio, lo que sí conservo claramente en la memoria es que me dijo: ‘Cristo era judío también’”.

El Central Venezuela estaba prácticamente aislado. Aunque contaba con los avances antes anotados, su acceso y salida no resultaban sencillos. La vida debía transcurrir allí, en aquel breve espacio acotado de tablones de caña.

En mayo de 1933 nacieron los gemelos Luben y Mirko. Esos primeros días de su existencia están profusamente fijados en los centenares de fotografías que tomó Petko, quien para entonces era un hombre jovial, confiado quizá en que algún día mostraría esas fotos a sus familiares, que habían quedado en Bulgaria, o a la parentela de su mujer.

Antes de la guerra, la abuela Raina viajó de Bulgaria a El Batey, para pasarse unos meses con su hijo, su nuera y sus nietos. Raina Petkoff era comunista también. Y era tan importante dentro del partido que el tribunal que juzgó al zar Boris, muerto en 1943, contaba entre sus integrantes con esta señora. El álbum de familia recoge su adusta estampa en diversas instantáneas . Al parecer, disfrutó su estadía en aquel incandescente rincón del mundo cuya rutina rara vez era alterada. Por eso resultó tan sorprendente el estallido de la sirena del Central Venezuela que, de repente, empezó a sonar el 17 de diciembre de 1935, sin que se hubiera desatado un incendio o se hubiera registrado algún evento excepcional en la localidad. Teodoro, próximo a cumplir 4 años, y los morochos estaban sentados en la escalera que conducía a la veranda. Tan persistente e inesperado era el clangor que se quedaron paralizados. Hasta que alguien pasó apresuradamente y gritó hacia el interior de la casa: “se murió el presidente”.

Cuando Teodoro tenía 7 años volvió a ocurrir algo que quedó grabado en su memoria. Su padre estaba sentado en la sala de la casa oyendo la radio. La doctora estaba a su lado. Ambos tenían expresión grave. Obviamente, era el 1 de septiembre de 1939, porque lo que decía la radio era que los alemanes estaban entrando en Polonia.

Toda la familia de la doctora Maleç iba a morir en la Shoah. Con excepción de Francisca, una de las hermanas de Ida, la parentela en pleno fue trasladada a Auschwitz y obligada a ingresar en las cámaras de gas. Francisca llegó a Caracas tres años después del final de la guerra. Había estado en el gueto de Varsovia. Escapó y estuvo deambulando por donde pudo hasta que los alemanes la recapturaron y al mandaron a Theresienstadt, un campo de concentración que tenían en Checoslovaquia y que, supuestamente, era una colonia judía modelo donde filmaban sus documentales de propaganda. Fue el que le presentaron a la Cruz Roja Internacional en 1944. Silvio Rodríguez, cantante y compositor cubano, compuso una canción titulada Terezin, en homenaje a las víctimas de ese campo: “Una pesadilla blanca / de chimeneas quemando sangre, / para hijos de Judea / con rara estrella y rostro de hambre”.

En 1940, Petko Petkoff se fue a Caracas, llevándose a su hijo mayor. Había llegado el momento de entrar a la escuela y en El Batey no había posibilidades. De momento, atrás quedaron la doctora y los morochos. Como suele suceder, en las familias donde hay gemelos, Luben y Mirko constituían una unidad aparte. La relación entre los morochos y Teodoro, hasta adultos, no era estrecha. Lo era, y mucho, entre ellos. El hermano mayor era el otro. “La relación entre Luben y yo se hizo absolutamente cercana”, dice Teodoro, “después de que mataron a Mirko, en el año 56. Luben quedó descentrado, tanto que hasta caminaba inclinado hacia un lado como si le faltara una mitad. Yo estaba clandestino en esa época y Luben empezó a ir a la concha, a verme. Llegaba y se sentaba en silencio. A él le afectó terriblemente aquella muerte. Eran unidísimos. Más que eso, eran espejo uno del otro. Luben era tranquilo mientras que Mirko era un gallo. La gente decía: ahí está Luben pensando las maldades para que Mirko las haga. Eran terribles. Unos azotes de barrio, realmente. A cada rato los hacían presos, y no por razones políticas. Hacían preso a uno y el otro lo iba a visitar… suplantándolo hasta la próxima tarde en que repetían la operación. Si eran 15 días de cárcel, cada uno cumplía la mitad. Eran absolutamente idénticos. Excepto papá, mamá y yo, nadie los distinguía”.

Padre e hijo se alojaron en una pensión en Caracas. Teodoro hizo el primer grado en el Colegio San Pablo, de los hermanos González Centeno; al término del cual emprendieron viaje al sur del lago a recoger a la familia para residenciarse definitivamente en Caracas. Los tres niños de la foto asistirían a la Escuela Experimental República de Venezuela y lo demás es historia conocida. Iba a pasar “una bola de años”, como él dice, para que Teodoro regresara al Batey. “Volví muchos años después, la primera vez por pura curiosidad. Pero, luego, en cada campaña electoral, pasaba por allí. Eso era una fija”.

El próximo enero ese muchachito que nos mira desde la hirviente atmósfera de la molienda, flanqueado por dos hermanos ya muertos, cumplirá 80 años.

Sobre la autora

Periodista y escritora venezolana, su obra va de la narrativa breve, pasando por la literatura testimonial, a la novela. Premio Nacional de Periodismo y columnista de El Nacional. Directora de CodigoVenezuela.com

*Tomado de http://www.codigovenezuela.com/2011/07/cultura-y-espectaculos/escribe-milagrossocorro-la-infancia-de-teodoro-petkoff-en-el-batey

Muere Cy Twombly

2011-07-05T14:41:00.015-04:30

Imagen tomada de http://elarteporlaarquitectura.wordpress.com/?attachment_id=341

Cy Twombly

Edwin Parker "Cy" Twombly, Jr. (Lexington, Virginia, Estados Unidos, 25 de abril de 1928 - Roma, Italia, 5 de julio de 2011) fue un pintor estadounidense del Expresionismo abstracto. Es bien conocido por sus pinturas graffiti de estilo caligráfico de gran tamaño sobre fondos de colores gris, beige o color hueso. Desde 1947 hasta 1949 estudió en la escuela del Museo de Bellas Artes de Boston, en la Universidad Washington y Lee de Lexington y en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York desde 1950 hasta 1951. Allí, conoció a Robert Rauschenberg quien le animó a acudir al Black Mountain College, cerca de Asheville (Carolina del Norte, donde conoció a John Cage. En 1951 y 1952, estudió allí con Franz Kline, Robert Motherwell, y Ben Shahn.

Twombly es conocido sobre todo por emborronar la frontera entre el dibujo y la pintura. Muchos de sus cuadros más conocidos de finales de los años sesenta son reminiscencias de un encerado de escuela en el que alguien ha practicado la «e», o cientos de año de graffiti de baños sobre un muro.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Cy_Twombly

Fallece en Roma el pintor, escultor y fotógrafo estadounidense Cy Twombly

El pintor, escultor y fotógrafo estadounidense Cy Twombly falleció hoy en Roma a los 84 años de edad, informó a EFE Eric Mézil, director de la colección Lambert en Avignon (Francia), que exhibe actualmente la última gran exposición de ese artista.

Twombly, residente en Italia desde hace más de 50 años, se encontraba hospitalizado desde hace días en la capital italiana, aseguró Mézil, que calificó al estadounidense como “uno de los mejores maestros”. EFE

Tomado de http://www.lapatilla.com/site/2011/07/05/fallece-en-roma-el-pintor-escultor-y-fotografo-estadounidense-cy-twombly/

Van Gogh no era Van Gogh*

2011-06-23T10:04:00.005-04:30

RTVE.es 22.06.2011

Un estudio concluye que un autorretrato representa a en realidad al hemano
El museo Van Gogh ha hecho un estudio de 93 obras del pintor

Un estudio concluye que el autorretrato con sombrero de paja de Vincent Van Gogh (a la derecha) representa en realidad a su hermano TheoAFP PHOTO / ANP / ILVY NJIOKIKTJIEN

El Museo Van Gogh de Amsterdam ha comunicado este martes que tiene indicios de que un autorretrato de Vincent van Gogh en el que sale con un sombrero de paja representa en realidad a su hermano Theo. Hasta este momento, se creía que el artista nunca le había retratado.

En el lienzo, fechado en 1887, aparece el que hasta ahora se creía que era el pintor algo ladeado, con una chaqueta azul y un sombrero amarillo. Forma parte de una exposición que se ha abierto este martes al público y en la que el museo expone 93 obras del artista.

Todas ellas han sido objeto de un estudio exhaustivo para sacar a la luz nuevos elementos de la obra de Van Gogh, según ha indicado la pinacoteca en un comunicado.

Theo Van Gogh

Las razones que han llevado a determinar que en el cuadro se representa realmente al hermano de Van Gogh, son que en el retrato se observa que la barba es menos rojiza que la de otros autorretratos y que está recortada en la parte media de la mejilla, mientras que el pintor siempre la llevaba más espesa, según ha indicado según el investigador Louis van Tilborgh.

El investigador del museo también piensa que se trata de un retrato de Theo porque la oreja del cuadro es mucho más redonda que las que tenía el pintor y coinciden con las de fotos de Theo.

Hasta este momento, se creía que el pintor postimpresionista no había retratado nunca a su hermano, que fue el que le prestó el apouyo económico para que se pudiera dedicar a la pintura.

Otras sorpresas

La investigación sobre estas obras también ha ofrecido otros descubrimientos. Entre ellos, el de que el famoso cuadro que representa dos botas desgastadas de un obrero oculta un paisaje parisino.

Este descubrimiento permitiría volver a fecharlo, ya que confirmaría que Van Gogh lo pintó cuando vivía en París entre 1886 y 1888, y no en la localidad holandesa de Nuenen (1883-1885) como se creía.

*Tomado de http://www.rtve.es/noticias/20110622/van-gogh-no-era-van-gogh/442957.shtml

Hoy en 1890 nace el más sombrío poeta venezolano

2011-06-09T09:17:00.003-04:30

Habrá de afirmar este autor que el contexto artístico e intelectual venezolano es mediocre, retórico y conformista, apegado a formas estéticas degradadas.

Habrá de transcurrir casi medio siglo para que se le reconozca como uno de los poetas más originales y avanzados de siglo XX venezolano.

(Caracas, 09 junio – Noticias24).- Si hay algo que se pueda decir de José Antonio Ramos Sucre, es que fue un genio, torturado por su tiempo y encerrado en sí mismo. Este genio de las letras venezolanas, prácticamente desconocido en nuestro país es, según muchos intelectuales en Europa, es uno de los grandes poetas latinoamericanos del siglo XX

Antonio Ramos Sucre, sobrino-nieto del Gran Mariscal de Ayacucho tendrá una juventud poco común, sin demasiados juegos pero con mucho latín y griego. Aprenderá el francés, inglés, italiano y alemán antes de graduarse de bachiller. El inglés, italiano, portugués, alemán, danés, sueco y sánscrito los aprenderá entes de terminar la universidad.

Habrá de afirmar este autor que el contexto artístico e intelectual venezolano es mediocre, retórico y conformista, apegado a formas estéticas degradadas.

Desde 1911 comienza a publicar en casi todas las revistas y diarios de la época, sobre todo en El Universal, donde aparecieron al menos 108 de sus poemas en prosa.

La obra de este hombre solitario e introvertido, poseerá siempre dos características: una sombría oscuridad, reflejo de su propio sufrimiento y un desfase con su propio tiempo,es considerado un vanguardista, y su obra no encajará nunca dentro de las corrientes literarias de su tiempo. Habrá de afirmar este autor que el contexto artístico e intelectual venezolano es mediocre, retórico y conformista, apegado a formas estéticas degradadas.

Habrá de transcurrir casi medio siglo para que se le reconozca como uno de los poetas más originales y avanzados de siglo XX venezolano.

Un frecuente estado de insomnio le llevará a recorrer las calles de la ciudad en horas nocturnas. En sus textos expresa el sufrimiento que le produce su cada vez más pronunciada fatiga mental.

Habrá de transcurrir casi medio siglo para que se le reconozca como uno de los poetas más originales y avanzados de siglo XX venezolano.

El 13 de junio de 1930 durante un viaje diplomático en la ciudad de Ginebra sucumbe a su patológía mental y se suicida.

Tal vez uno de los retratos más descarnados de este personaje lo da Leonardo Rodríguez:

“Ramos Sucre vive al extremo una condición psicológica que es también cultural y social: el encierro. (…) Se pensó cautivo y se enclaustró para abrirse al mundo interior. Se sintió torturado y se flageló para sentir su cuerpo. Se encontró obligado a representar un papel y lo escribió con tinta oscurísima. (…) Fue mimético con sus sombras. Su encierro (que rima con entierro) fue la puerta de un descenso interior.”

Siga el enlace para descargar su obra completa.

Por Alejandro Pacheco / Noticias24

magen: wikipedia.org

Tomado de http://www.noticias24.com/gente/noticia/37041/hoy-en-1890-nace-el-mas-sombrio-poeta-venezolano/

Minarquismo

2011-06-08T08:54:00.007-04:30

El minarquismo, llamado algunas veces Estado mínimo o gobierno mínimo, es una ideología política y económica que propone que el tamaño, papel e influencia del gobierno en una sociedad libre debería ser mínimo, sólo lo suficientemente grande para proteger la libertad y propiedades de los individuos. Muchos minarquistas se consideran parte de la tradición liberal libertaria y proclaman que el minarquismo continúa la tradición del liberalismo clásico. El término quizás es más frecuentemente usado para denominar a los libertarianos que piensan que es posible la existencia de un Estado que proteja la libertad individual sin violentarla él mismo y para diferenciarse de los de los liberales antiestatistas que consideran que cualquier Estado es inherentemente una violación de la libertad individual. Los minarquistas sostienen que un gobierno mínimo es necesario para preservar la libertad (de la invasión de ejércitos de Estados no minarquistas). Esta teoría política está vinculada y en oposición al llamado anarcocapitalismo, caracterizado por la defensa de las libertades básicas individuales, es decir, la seguridad de existencia del individuo.

El término fue acuñado en 1970 o 1971 por el agorista Samuel Konkin.

Principios generales

Los minarquistas concuerdan en que el principio determinante sobre lo que entra o no en el ámbito del gobierno es la maximización de la libertad individual, pero generalmente discrepan sobre cómo lograr esto. Muchos minarquistas generalmente coinciden en que el Estado debería restringirse a sus funciones "mínimas" o de "vigilante" (esto es, tribunales, policía, prisiones, fuerzas de defensa). Algunos minarquistas incluyen como papel ideal del gobierno la gerencia de infraestructuras esenciales públicas (por ejemplo, vías de circulación y moneda). En general, los minarquistas favorecen la administración y financiamiento de servicios gubernamentales en una pequeña jurisdicción (como una ciudad o un municipio) en lugar de una grande (como un estado o una nación). Esto es así porque se presume que las decisiones son más eficientes cuando quienes las toman están más cerca de los sujetos de sus decisiones (los ciudadanos), y así los individuos que no desean vivir o trabajar bajo un gobierno expansivo tienen más opciones (resulta más fácil mudarse a otra ciudad o municipio que a otro estado o nación), lo cual aplica más presión política de reducción sobre el gobierno.

Los minarquistas generalmente se oponen a los programas de gobierno que transfieren riqueza o dan subsidios a ciertos sectores de la economía. Sin embargo la mayoría de ellos admiten cierto nivel de financiamiento estatal, incluyendo impuestos para casos particulares siempre y cuando la libertad individual y el principio de no agresión no se vean comprometidos.

Algunos minarquistas explican su visión del Estado refiriéndose a principios básicos antes que argumentar en términos de resultados pragmáticos. Por ejemplo, Robert Nozick en su libro Anarchy, State, and Utopia, define el rol del Estado mínimo de la siguiente manera:

"Nuestras conclusiones generales acerca del Estado son que un Estado mínimo, limitado a las funciones de protección contra la violencia, el robo, el fraude, la violación de contratos y otros parecidos, es justificable; cualquier otro Estado más grande violaría el derecho de las personas a no ser forzadas a hacer ciertas cosas y es injustificable; y que el Estado mínimo es inspirador así como correcto. Dos implicaciones dignas de notarse son que el Estado no debe usar su aparato coercitivo con el propósito de lograr que algunos ciudadanos ayuden a otros, o para prohibirle a las personas actividades en su propio beneficio o protección".

En cambio, otros minarquistas utilizan argumentos utilitaristas, como las contribuciones de Ludwig von Mises a la Escuela Austríaca, o la investigación económica estadística como el Index of Economic Freedom.

Otros argumentos en favor del minarquismo son los derechos naturales, el contractualismo y el igualitarismo.

Entre los minarquistas prominentes si incluyen Benjamin Constant, Herbert Spencer, Leonard Read, Ludwig von Mises, Friedrich Hayek, James M. Buchanan, Milton Friedman, Ayn Rand, Bill Maher, John Hospers, Robert Nozick, George Reisman.

Organizaciones que incluyen miembros y partidarios minarquistas son por ejemplo la Reason Foundation, International Society for Individual Liberty y Bureaucrash.

Existen propuestas de reducción y disolución progresiva de los poderes estatales en otras tendencias políticas muy ajenas a la visión liberal de Estado mínimo. Sin embargo no han tenido igual difusión.

Críticas al minarquismo

Algunos piensan que el minarquismo es una ideología contradictoria. El liberalismo libertario, por definición, se opone a la iniciación del uso de la fuerza o el fraude contra las personas o la propiedad. Para que un Estado se financie debería gravar a las personas, lo cual requiere de coerción y, por lo tanto, el inicio del uso de la fuerza. Algunos liberales libertarios argumentan que el anarcocapitalismo, y por extensión el anarquismo, es el único tipo lógicamente consistente del ideario libertario. También se considera que es contradictorio establecer que la violencia es inmoral, pero que esa violencia se mantenga mediante un gobierno.

Sin embargo, los partidarios del minarquismo contraargumentan que un gobierno podría financiarse mediante donaciones privadas y la creación de trust funds sin ningún tipo de impuestos. Aunque un gobierno pudiera ser financiado voluntariamente, todavía permanece una autoridad que detenta el monopolio de la fuerza en un área determinada y, como tal, tendría el control. La mera existencia de un gobierno, independientemente de cómo se financie, erosiona el principio de autopropiedad, ya que el gobierno está para controlar.

Adicionalmente, algunos liberales libertarios piensan que el concepto de "gobierno constitucionalmente limitado" es un falacia. Todos los gobiernos conocidos de la historia se han extendido en tamaño y alcance. La visión de los Padres Fundadores de los EEUU sobre la limitación del inherente poder relacionado con el gobierno (con respecto a la Constitución de los EEUU) no ha funcionado. El tamaño y alcance del actual gobierno federal de los EEUU probablemente es mucho mayor del que los Padres Fundadores pretendían o vislumbraban.

Algunos minarquistas piensan que su visión es más pragmática. Sin embargo el profesor Hans-Hermann Hoppe argumentó que la única forma de Estado que puede pragmáticamente ser impedido de extenderse es el Estado monárquico (como una propiedad privada).

Texto tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Minarquismo

ESTADO MÍNIMO

Antonio Mascaró Rotger

A medio camino entre el anarcocapitalismo y el gobierno limitado existe una corriente de pensamiento que defiende un Estado mínimo o miniarquía.

Se autodenominan miniarquistas porque eso es lo que quieren: un gobierno mucho más pequeño, restringido a la prevención de interferencias con los derechos individuales en lugar de ser el principal entrometido.1

Los liberales de todas las tendencias convienen en que los derechos fundamentales son los de la vida, libertad y propiedad privada. Los miniarquistas aceptan el uso de la coacción estatal para defender eso derechos. Y para nada más. Sólo las violaciones de estos derechos son de la incumbencia del Estado. No se trata, por tanto, de diseñar un gobierno cuyos poderes se mantengan a raya unos a otros para suministrar bien común alguno.

La libertad no exige un poder que compense a otro, sino la imposibilidad de ejercer determinados poderes. Por ejemplo, el que el poder para condenarme sin juicio simplemente no exista es un pilar del Estado de Derecho.2

Los enfoques de los defensores de reducir el Estado a su mínima expresión han seguido distintos razonamientos y, por ello, sus conclusiones muestran algunas discrepancias.

Así, según Ludwig von Mises "el fin único de las normas legales y del aparato estatal de coacción y compulsión es permitir que la cooperación social funcione pacíficamente." Se trata, entonces, de estudiar cada posible actuación y función del gobierno para determinar si lleva a una mejora en esa cooperación o a un empeoramiento. Como es sabido, Mises realizó dicho estudio mediante la ciencia de la praxeología, que estudia la acción humana. Esto es, analizó los efectos que tiene la intervención gubernamental sobre las acciones humanas y cómo repercute esto en la sociedad. Y una de sus importantes conclusiones fue que tales intervenciones crean males peores que aquellos que pretendían enderezar. Entonces al intervensionista sólo se le ocurre volver a intervenir y empeora aun más las cosas. De esta manera, por muy moderado que sea el intervencionismo de las "terceras vías", acaba cayendo en espiral hasta la miseria del socialismo.

El Estado es una institución humana, no un ser sobrehumano. Quien dice: debería haber una ley sobre este asunto, quiere decir: la fuerza armada del gobierno debería obligar a la gente a hacer lo que no quiere hacer. Quien dice: esta ley debería ser puesta en vigor, quiere decir: la policía debería obligar a la gente a cumplir esa ley. Quien dice: el Estado es Dios, deifica la armas y las cárceles.3

Ayn Rand, en cambio, huyó del utilitarismo y argumentó las justas funciones del gobierno partiendo de los derechos de los hombres. Ella pensaba que de estos derechos se derivan razonablemente las leyes que han de regir una sociedad y, por ende, el papel que el Estado ha de jugar en ella. "La necesaria consecuencia del derecho del hombre a la vida," decía Rand, "es su derecho a la autodefensa. En una sociedad civilizada, la fuerza puede ser usada solamente en vindicación y sólo contra aquellos que inician su uso. [...] Un gobierno es el medio de poner el uso vindicativo de la fuerza física bajo control objetivo, esto es, bajo leyes definidas objetivamente." En esta sociedad, por tanto, el Estado sólo actúa cuando los derechos de algún individuo ya han sido violados. Ésta actuación no va más allá de la restitución, en la medida de lo posible, de la situación anterior a la agresión y, si procede, de la condena al agresor. Queda así delimitado el Estado mínimo según Rand, a veces moteado por algunos como Estado gendarme.

Las funciones naturales de un gobierno se dividen en tres grandes categorías, todas ellas relacionadas con la violencia y la protección de los derechos del individuo: la policía, para proteger a los hombres de los criminales - las fuerzas armadas, para proteger a los hombres de invasores foráneos - los tribunales para solucionar disputas entre los hombres de acuerdo a leyes objetivas.4 (Las cursivas son de Rand.)

George Reisman, discípulo de Mises y de Rand, ha resumido recientemente la visión miniarquista:

Nosotros queremos una sociedad en la que el papel del gobierno se limite a la protección de los derechos individuales y en la que, por lo tanto, el gobierno use la fuerza sólo en defensa y vindicación contra el inicio de la fuerza. Queremos una sociedad en la que los derechos de propiedad sean reconocidos como unos de los principales derechos humanos; una sociedad en la que nadie haya de sufrir debido a su éxito por la envidia de los demás, una sociedad en la que toda la tierra, recursos naturales y otros medios de producción sean de propiedad privada. En tal sociedad, el tamaño del gobierno sería menos de la décima parte del que es ahora en términos de gasto público. La mayor parte del estado, tal como existe ahora, sería eliminado: virtualmente todas las agencias estatales y departamentos con las excepciones de defensa, interior, justicia y tesoro. Permanecería sólo un poder ejecutivo radicalmente reducido y unos poderes legislativo y judicial con poderes radicalmente reducidos. Al ciudadano respetuoso con las leyes de tal sociedad, el gobierno le parecería esencialmente un "vigilante nocturno", obediente y calladamente haciendo sus rondas asignadas para que la ciudadanía pudiera descansar con la seguridad de que sus personas y propiedades estaban libres de agresión. Sólo en las vidas de los criminales comunes y estados extranjeros agresores, se haría notar la presencia del gobierno.5

Finalmente, teorizando muy cerca del anarcocapitalismo, Robert Nozick despojó al Estado gendarme de sus últimas posibilidades de redistribución. Al obligar a unos ciudadanos a sufragar con sus impuestos la defensa de otros ciudadanos, argumenta Nozick, incluso el minúsculo Estado gendarme resulta redistributivo. Para evitar esta contradicción, el profesor de Harvard propuso en 1974 una sociedad regida por unos Estados ultramínimos que ofrecen a los ciudadanos su protección a quienes voluntariamente la paguen.

Un Estado ultramínimo mantiene un monopolio sobre todo el uso de la fuerza, con excepción del que es necesario en la inmediata defensa propia y, por tanto, excluye la represalia (o la proporcionada por una agencia) por daño y para exigir compensación. Sin embargo, únicamente ofrece protección y servicios de ejecución a aquellos que compran sus pólizas de protección y aplicación. Las personas que no contratan protección con el monopolio no obtienen protección.6 (Las cursivas son de Nozick.)

1 Smith, L. Neil, The Probability Broach, Nueva York, Ballantine Books, 1980. Pág. 12.

2 Rodríguez Braun, Carlos, Estado contra mercado, Madrid, Taurus, S.A., 2000. Pág. 77.

3 Mises, Ludwig, Gobierno Omnipotente, Madrid, Unión Editorial, S.A., 2002 (1944). Pág. 81.

4 Rand, Ayn, "La naturaleza del gobierno" en La virtud del egoísmo, Buenos Aires, Plastygraf, S.A., 1985 (1961). Pág. 126.

5 Reisman, George, Capitalism: A Treatise On Economics, Ottawa, IL., Jameson Books, Inc., 1998. Pág. 971.

6 Nozick, Robert, Anarquía, estado y utopía, México, D.F., Fondo de Cultura Económica, S.A. de C.V., 1988 (1974).

Texto tomado de http://www.liberalismo.org/articulo/157/64/estado/minimo/

Paradojas sobre el Estado mínimo

Por Fernando Herrera

Instituto Juan de Mariana

Uno de los temas más apasionantes desde el punto de vista liberal (y, me atrevería a decir, general) es si es o no necesaria la existencia de un Estado y, si es el caso, cuál es el tamaño mínimo que este debería tener, tamaño medido, se supone, en competencias.

Sin entrar en disquisiciones filosóficas para las que no creo estar preparado, sí es necesario que, de alguna forma, defina lo que entiendo por Estado, a efectos de dar claridad a las siguientes reflexiones. Para mí el Estado es el ente que es capaz de imponernos el cobro de impuestos, supuestamente a cambio de una serie de servicios, entendidos en sentido amplio. Contrariamente a los otros agentes presentes en el mercado, el Estado puede imponer, y de hecho lo hace, la "adquisición" de sus servicios a todos los ciudadanos. Coherentemente, el Estado se suele considerar como el único monopolista de la violencia, el único que puede ejercerla sin verse sometido a sanción.

La teoría económica neoclásica ha mostrado también su interés por identificar cuáles son aquellos servicios que no se pueden dejar al arbitrio del mercado, por ser productos de determinadas características, los llamados bienes públicos. El conjunto de estos bienes públicos constituiría el contenido del Estado mínimo. Como es sabido, dicha teoría económica descansa sobre unos supuestos y metodologías que le permiten "demostrar" económicamente cualquier cosa que les pueda parecer interesante en un momento dado, por lo que sus resultados no parecen especialmente fiables ni relevantes.

Sí se puede decir que tradicionalmente se han considerado servicios públicos la justicia, la defensa, la seguridad, la sanidad, la educación y otros más. Se puede observar, por tanto, que el contenido del Estado mínimo y la consideración de servicio público son bastante dinámicos.

Desde mi punto de vista, la discusión sobre el Estado mínimo se puede resolver por analogía con la discusión sobre el precio justo. ¿Cuál es el justiprecio de las cosas? La respuesta la sabemos, al menos desde el punto de vista de teoría económica (aunque creo que ya hay referencias a Santo Tomás de Aquino con este tema). El precio justo es aquel que fija el libre mercado: al que voluntariamente el vendedor accede a vender, y el comprador a comprar. Cualquier otro precio es arbitrario, por muy sofisticado que sea el método de cálculo.

Pues bien, la misma solución aplica, a mi modo de entender, al Estado. ¿Cuál es el justi-tamaño del Estado? Pues ni más, ni menos, que el que fija el mercado en cada momento. Cualquier otro tamaño es arbitrario. En definitiva, el tamaño del Estado mínimo quedaría determinado, paradójicamente, por el mercado.

Lo que nos lleva a la segunda paradoja. Entendamos ahora el Estado como monopolio de la fuerza. El Estado es la única entidad aceptada con capacidad para imponer un comportamiento a los individuos. ¿De qué forma puede el mercado disciplinar al Estado, para que éste tenga el tamaño que en cada momento aquel demanda? Es imposible, no lo puede hacer, precisamente porque el monopolio de la fuerza reside en el ente al que se trata de disciplinar.

De esto sigue, de forma inmediata, que el Estado no tiene límites, pues puede hacerse con el control de la sociedad mediante el uso del recurso cuyo monopolio detenta: la fuerza. Parece, por tanto, que lo queramos o no, es incompatible el Estado con el mercado; al menos, es una situación inestable que ha de moverse hacia algún sitio: más intervencionismo, o desaparición del Estado. Aspectos que tanto Hayek como Mises, y Rothbard de forma más radical, tienen claro.

¿Cuál es la solución? Hay que romper el monopolio de la fuerza del Estado. Hay que permitir que aparezcan "competidores" al Estado. Y que el Estado deba competir con estas entidades por satisfacer al ciudadano en los servicios públicos. Si lo hace bien, consigue ingresos (ya no impuestos) y sobrevive; y, si no, tendrá que desmontarse.

En otras palabras, la solución es que el mercado preste los servicios considerados como públicos. Solo así se conseguiría que el "Estado" tenga en cada momento el tamaño que demanda el mercado. Pero, claro, este Estado no es ya tal, es una empresa más en el mercado.

Texto tomado de http://independent.typepad.com/elindependent/2008/08/paradojas-sobre.html

Localizan restos de cuatro príncipes Romanov en San Petersburgo

2011-06-07T08:10:00.009-04:30

Las ejecuciones de los cuatro miembros de la familia imperial datan del "Terror Rojo" desatado por la Cheka (la policía política) y el Ejército Rojo, durante la guerra civil de 1918 y 1923.

EL UNIVERSAL

martes 7 de junio de 2011 07:08 AM

San Petersburgo, Rusia.- Los arqueólogos piensan haber hallado los restos de miembros de la familia imperial que fueron ejecutados por los bolcheviques y arrojados a fosas comunes descubiertas por casualidad en la fortaleza de Pedro y Pablo de San Petersburgo.

"Según testimonios fidedignos, cuatro grandes duques Romanov fueron ejecutados en 1919 en esta fortaleza. Los restos de Georgi Mijailovich, Nikolai Mijailovich, Dimitri Konstantinovich y Pavel Alexandrovich están probablemente entre los que encontramos", dijo Vladimir Kildiushevski, un arqueólogo encargado de las excavaciones, mencionó AFP.

Los restos de un centenar de personas fusiladas han sido ya hallados en este sitio.

El gran duque Pavel Alexandrovich Romanov fue tío del último zar Nicolás II, ejecutado en los Urales por los bolcheviques en 1918 junto a su familia. Los otros tres grandes duques eran sus primos, nietos del zar Nicolás I.

Los cuatro grandes duques habrían sido ejecutados en 1919 en la fortaleza de Pedro y Pablo, en el corazón de la antigua capital imperial, pero el lugar de su sepultura nunca fue encontrado.

Los bolcheviques ejecutaron a numerosas personas en la fortaleza situada a orillas del Neva, dentro de la cual se encuentra la catedral de Pedro y Pablo, donde fueron sepultados todos los zares de Rusia después de Pedro el Grande.

Casi un siglo más tarde, el descubrimiento accidental de restos humanos durante unas obras, en 2007, permitió lanzar las excavaciones.

Los arqueólogos descubrieron seis fosas comunes que datan de 1917-1919, con los restos de un centenar de personas, incluidos jóvenes de 16 años.

"Todas las víctimas fueron ejecutadas de un tiro en la cabeza y los cuerpos arrojados de cualquier modo a las fosas", indicó Vladimir Kildiushevski.

"En algunos cráneos hay señales particulares, como si las víctimas hubieran sido rematadas de un culatazo", añadió.

El arqueólogo muestra los objetos hallados entre los huesos: quevedos, una gran cruz de oro, pitilleras, libretas, trozos de ropa, un sombrero casi en buenas condiciones, un zapato de la época.

"En algunas fosas, sólo hay personas mayores, civiles. En otras, jóvenes de 20 a 30 años, cadetes de las escuelas militares", explicó.

Las ejecuciones datan del "Terror Rojo" desatado por la Cheka (la policía política) y el Ejército Rojo, durante la guerra civil de 1918 y 1923.

En este periodo miles de "enemigos de clase", nobles, burgueses, funcionarios, sacerdotes, huelguistas o campesinos, fueron ejecutados en Rusia.

"Estamos exterminando a la burguesía como clase. No busquen pruebas en las investigaciones para saber si un acusado ha actuado contra el poder soviético de hecho o de palabra. La pregunta que uno debe hacerse es: ¿a qué clase perteneceâ Esta pregunta determinará su destino. Este es el sentido del terror rojo", escribió en 1918 uno de los jefes de la Cheka, Martin Latsis.

Latsis fue quien firmó la sentencia de muerte de los cuatro Romanov ejecutados en Petrogrado (nombre de San Petersburgo de 1914 a 1924, antes de ser rebautizada como Leningrado, de 1924 a 1991).

"Ahora estamos tratando de determinar con exactitud quienes fueron ejecutados aquí y tenemos que continuar las investigaciones. Ex muy probable que todavía hallemos otros restos", dijo Kildiushevski, lamentando que las excavaciones -organizadas por el Museo de Historia de la ciudad- estén actualmente suspendidas por falta de financiación.

Tomado de http://www.eluniversal.com/2011/06/07/localizan-restos-de-cuatro-principes-romanov-en-san-petersburgo.shtml

Prostitutas del “barrio rojo” de Amsterdam pasan hambre debido a la baja clientela

2011-06-03T20:39:00.005-04:30

Foto: AP Photo/Peter Dejong

Amsterdam, 3 jun (dpa) – Una buena parte de las prostitutas del célebre “barrio rojo” de Amsterdam roza el umbral de la pobreza y muchas de ellas empiezan a pasar hambre debido a la caída de clientes por la crisis económica, informan hoy medios holandeses.

Ello ha forzado a varias organizaciones asistenciales a proporcionarles incluso alimentos de primera necesidad. Las cerca de 3.000 meretrices del barrio de Wallen, célebre en el mundo entero por los escaparates donde se exhiben las prostitutas, “comienzan a pasar verdadero hambre, sobre todo en los últimos meses”.

La situación es tan grave -apunta el periódico “AD”- que ha obligado a varias organizaciones caritativas y asistenciales a comenzar a repartir paquetes de primera necesidad, que contienen -entre otros- bocadillos, fruta y bebidas no alcohólicas, pan y leche.

“Hemos visto en los últimos meses situaciones verdaderamente alarmantes… Algunas prostitutas trabajan durante todo el día en la cama, en los burdeles, pero por la noche se las ve tiradas por el suelo, durmiendo en la calle, sin protección alguna“, asegura Frits Ruvoet, uno de los trabajadores sociales que asiste a las meretrices afectadas, citado por la agencia ANP.

Según las ONGs que atienden a las trabajadoras del sexo de Amsterdam, debido a la crisis económica en Holanda -y en toda Europa- cada vez hay menos clientes y cada vez son más quienes antes de comprar los servicios de una meretriz regatean el precio hasta dejarlo en “un mínimo”.

El sector de la prostitución en los Países Bajos anda revuelto por la nueva ley, que obligará en breve a quienes trabajen en los servicios sexuales a registrarse oficialmente y a demostrar que son mayores de 21 años.

Se trata de un fórmula de compromiso, ya que inicialmente la propuesta de ley pretendía que las meretrices estuvieran obligadas a mostrar a clientes y agentes de policía una documentación oficial, expedida por los ayuntamientos, que finalmente no saldrá adelante por considerarse vejatoria para estas trabajadoras.

A partir de ahora, los clientes que busquen los servicios de una prostituta, ya sea a través de anuncios en la prensa, Internet o en los numerosos Barrios Rojos que pululan en las ciudades del país de los tulipanes, deberán cerciorarse de que se trata de prostitutas registradas. Por su parte las meretrices -o sus proxenetas- estarán obligadas a anunciar que ofrecen un servicio sexual registrado.

A pesar de que la iniciativa persigue un fin loable, que las meretrices demuestren que ejercen esa tarea de forma voluntaria, ha provocado una agria polémica en Holanda, conocida, entre otros, por los escaparates del Barrio Rojo de Amsterdam, donde se calcula que ejercen la prostitución cerca de 3.000 trabajadoras.

En Holanda la prostitución es legal y las trabajadoras del sexo tienen contratos, cotizan a la seguridad social y cuentan con plenos derechos legales. En ese sentido, las autoridades locales pueden publicar directrices sobre su seguridad, higiene o condiciones de trabajo.

Los burdeles sí tienen prohibido forzar a las trabajadoras a beber alcohol con los clientes, a mantener relaciones sexuales sin condón o a realizar determinadas prácticas sexuales.

No obstante, a pesar de la legislación vigente, la mayoría de los dueños de burdeles de Amsterdam prefiere no hacer contratos de trabajo oficiales.

Tomado de http://www.noticias24.com/gente/noticia/36307/prostitutas-del-barrio-rojo-de-amsterdam-pasan-hambre-por-la-baja-clientela/

En fotos: “Falos y Vaginas”, una muestra artística que rinde culto a Eros en Colombia

2011-06-02T07:24:00.014-04:30

Foto: AFP PHOTO/Raul ARBOLEDA

Bogotá, 1 jun (EFE).- En homenaje a Eros, la Universidad colombiana de Antioquia acoge una exposición sobre los órganos del placer representados en pintura, cerámica, escultura y fotografía, que supone un repaso histórico del erotismo y un encuentro con la ciencia.

Bajo el título “Falos y Vaginas”, esta muestra ofrece un recorrido “por la cultura universal en cuanto a la representación erótica”, vista además “desde el punto de vista científico”, explicó a Efe Juan Fernando Gutiérrez, portavoz del Museo de la Universidad de Antioquia (MUUA), en la ciudad de Medellín.

Esta singular exposición abarca “diferentes épocas y culturas con una gran presencia de las prehispánicas” y además rinde culto a Eros y a los órganos reproductores, añadió Gutiérrez.

La misión de este museo está “centrada en el conocimiento” y desde ese punto de vista “Falos y Vaginas” crea “oportunidades de diálogo para la construcción de nuevos sentidos e interpretaciones”, argumentó, por su lado, el director de este centro universitario, Diego León Arango.

La exposición, inaugurada este martes y que estará abierta al público hasta noviembre próximo, exhibe obras del patrimonio del propio Muua, de sus colecciones de Ciencias Naturales, Antropología, Historia y Artes Visuales.

Esta entidad pública posee más de 70.000 piezas que periódicamente expone en muestras temáticas, y en este caso se complementó con invitaciones a científicos, artistas y fotógrafos, especializados en el arte erótico y el proceso reproductivo de distintas especies, aclaró Gutiérrez.

La exposición tiene “mucha diversidad” y por ello cuenta con un importante peso antropológico al exhibir obras de culturas precolombinas como la Quimbaya, que floreció en el oeste colombiano.

Además, el Muua “fue autorizado para hacer 20 réplicas sobre erotismo” por el Museo Larco de Perú, que cuenta con una única y célebre selección de piezas eróticas del antiguo imperio inca, agregó Gutiérrez.

La exhibición “Falos y Vaginas” ocupa siete salas en cuatro pisos del claustro universitario que acogen las diferentes interpretaciones que los pueblos le han dado a los órganos reproductores a través de la historia.

El primero de esos espacios, en el vestíbulo, se visualiza una introducción al cuerpo humano, donde se observa la fisiología y morfología de los órganos sexuales femenino y masculino.

En la Sala Patrimonial del Muua se exhibe la historia de las representaciones de falos y vaginas, “en un recorrido histórico del pene y la vulva en diferentes épocas y culturas”, según los organizadores.

La sala principal está dedicada a las Ciencias Naturales, donde, mediante un montaje dinámico con animales naturalizados se pueden ver los órganos sexuales y el proceso reproductivo de diferentes especies.

Las piezas antropológicas están ubicadas en otra sala, donde se reconoce la representación erótica y sexual de las culturas prehispánicas, al que sigue otro espacio “sólo para adultos” que ofrece “un recorrido por la temática del género y las identidades”, agregaron los organizadores.

En otro espacio se aprecian obras de artistas invitados por el Muua, “con temas asociados a la genitalidad y el erotismo”.

Más pinturas, fotografías y otras expresiones artísticas copan el séptimo espacio de la selección.

Gutiérrez destacó que entre los artistas invitados están el pintor Antonio Zamudio y la fotógrafa Patricia Bravo, cuya obra contiene una elevada carga erótica.

Además de la muestra “Falos y Vaginas”, la Universidad de Antioquia ha organizado un ciclo académico, cultural y científico denominado “Cuerpo, deseo y erotismo”, en el que participan desde hoy expertos y donde se podrá disfrutar de películas y obras teatrales que servirán para “reflexionar en torno al tema”, concluyó el portavoz de la prestigiosa Universidad de Antioquia.

Tomado de http://www.noticias24.com/gente/noticia/35756/en-fotos-falos-y-vaginas-una-muestra-artistica-que-rinde-culto-a-eros-en-colombia/

Sexo, orgías y pornografía: una extraña manera de defender el medio ambiente

2011-05-31T21:58:00.003-04:30

El sexo es bueno para salvar el planeta, ¿o no?

Para Leona Johansson y Tommy Hol Ellingsen, es una forma de activismo. “¡Salvar el planeta es sexy! ¿Por qué no excitarse por una buena causa?”, argumentan.

Si el porno y la ecología parecían mundos ajenos, esta pareja de noruegos amantes de la naturaleza y el amor libre crearon un proyecto que aparea ambas causas.

“Fuck for forest” (algo así como “sexo por los bosques”) se define como una organización ecológica y erótica sin fines de lucro. El objetivo es “liberar nuestras mentes, estar más en contacto con la naturaleza, con nosotros mismos y con el planeta”, le explicó Ellingsen a la BBC.

Desde su nacimiento, el grupo ha recaudado más de 345mil dólares. ¿Cómo? A través de la contribución de internautas que pagan para ver los contenidos de su página web: fotos y videos de sexo explícito cuyos escenarios suelen ser al aire libre.

Los interesados también pueden donar sus fotos y videos para que sean publicados en la página.

Desde que empezaron, a principios de la década del 2000, tienen más de 1.300 activistas en todo el mundo. Saltaron a la fama en 2004 cuando Johansson y Ellingsen copularon en vivo en el escenario durante un concierto de rock en Noruega.

En el último año, el grupo recolectó más de 180mil dólares. El dinero recaudado sirve para ayudar a comunidades en Ecuador, Brasil, Costa Rica y Eslovaquia.

Porno verde

“Apoyo el trabajo, lo del sexo no me importa, pienso que ellos aman la naturaleza y dicen la verdad, eso hay que apoyarlo”, le dijo a la BBC -desde la selva ecuatoriana- Alfonso Wajuyat, miembro de la comunidad indígena shuar, en la que la fundación “jugó un papel decisivo” a la hora de implementar un programa que les permitió iniciar el proyecto de reforestación.

Sin embargo, la iniciativa no fue digerida por varias organizaciones ecologistas que se negaron a recibir donaciones de FFF. La más notoria es el Fondo Mundial para la Naturaleza (WWF, por sus siglas en inglés), que no quiso aceptar dinero de ellos, algo que los activistas ya preveían.

Desde la oficina de WWF en Noruega, “les dijimos que no, gracias. Estamos a favor del amor y la biología, pero no nos gustó esta versión y no queremos estar asociados a ella. Procuramos no aceptar dinero de los negocios o empresas que tienen actividades dentro de la industria de armas y material de guerra, el alcohol, el tabaco, la pornografía y la explotación de combustibles fósiles”.

La práctica sexual encuentra en el “porno ecológico” controversia, pero también un nuevo significado.

Y mientras las organizaciones ambientalistas rechazan los fondos provenientes de este nuevo activismo, el debate de fondo aflora: la conciencia mediambiental genera, cada vez más, inusitada creatividad para buscar soluciones.

Fuente: BBC World

Tomado de http://www.noticias24.com/gente/noticia/35534/sexo-orgias-y-pornografia-una-extrana-manera-de-defender-el-medio-ambiente/

Delara Darabi, la prisionera de los colores*

2011-04-26T13:49:00.009-04:30

Por Madame X

Delara Darabi, pintora y poeta iraní, fue ejecutada el año pasado en la prisión de Rasht, en el norte de Irán. De nada sirvió la campaña internacional para salvar su vida. Fue detenida en 2003 junto a su novio, acusada de asesinato. Tenía entonces sólo 17 años. En un primer momento, se autoinculpó para salvar a su novio de la horca, persuadida por éste, y en la creencia de que al ser menor de edad no la condenarían a muerte. Después se retractó y durante sus años de cautiverio mantuvo desesperadamente su inocencia. El juicio estuvo lleno de irregularidades y no se admitieron ninguna de las pruebas que podrían haber demostrado que no cometió el crimen. De hecho, la única prueba que usaron los jueces para imponerle la pena capital fue su autoinculpación inicial. Las autoridades judiciales, una vez más, tampoco respetaron los tratados internacionales, que Irán ha rubricado, y por los que no se puede condenar a muerte a quienes hayan cometido delitos antes de su mayoría de edad.

Delara fue ahorcada el 1 de mayo de 2010 en la misma prisión donde estaba confinada. Y eso a pesar de que el Jefe del Poder Judicial de Irán había anunciado, pocos días antes, la suspensión de su ejecución durante dos meses. Pero las autoridades provinciales hicieron caso omiso. Ni siquiera comunicaron la ejecución a su abogado, pese a que están obligados por la ley iraní a hacerlo, al menos, 48 horas antes. A Delara Darabi únicamente se le permitió hacer una angustiosa llamada telefónica a su familia pocos minutos antes de ser asesinada, porque no tiene otro nombre, y con la horca a unos metros de su vista. Mientras suplicaba a su madre que la salvara, le fue arrancado el teléfono para ahorcarla a continuación. Nadie de su entorno cercano pudo acompañarla en sus últimos instantes.

Su novio fue condenado por cómplice de asesinato a 10 años de prisión.

Durante sus años de cautiverio, Delara expresó sus emociones a través de la pintura y la poesía, cambiando totalmente de registro con respecto a obras realizadas con anterioridad. Su pintura pasa a ser de un impresionismo colorista, alegre y cándido a un expresionismo tan feroz y duro como la angustia que debió sentir durante esa larga espera en el corredor de la muerte. Tan fue así que, en 2007, intentó suicidarse cortándose las venas de las muñecas. Una compañera de prisión dio la voz de alarma y no logró su objetivo. Este hecho lo expresaría en una de sus obras de forma totalmente explícita, aunque también podemos intuir ese episodio traumático en sus pinturas más abstractas. Realiza sus cuadros, a menudo, con los dedos y las uñas, usando pintura negra (carbón) para expresar su desgarro y la soledad en sus sombríos días de encierro. La cárcel no sólo la priva de su vida, sino también de los colores, a los que sólo tiene acceso en contadas ocasiones. Y cuando puede hacerlo, usa con frecuencia el color rojo sangre como único contraste con el blanco y el negro. Ella se llamó a si misma “prisionera de los colores” por su amor a la pintura. Sus figuras, emergiendo como espectros en la noche, reflejan el sufrimiento, la desesperación y la muerte. Y sus pinturas más abstractas se parecen demasiado a una herida abierta. Toda su obra es un puro grito de dolor. Es el reflejo del infierno vivido.

Por desgracia, salvo algunos ejemplares, es difícil recopilar su obra con buena definición en Internet. La mayoría de sus pinturas fueron publicadas en su día en el contexto de una amplia campaña internacional por su salvación, y, una vez malograda su vida, muchas páginas fueron cerradas. En apoyo a esa campaña por su liberación, se realizaron dos exposiciones de pintura de Delara Darabi: una en Teherán, en 2006, y otra en Ámsterdam, en 2007. A pesar de la escasez de la disponibilidad de su obra, merece la pena recordar su talento y su causa a través de esta pequeña pero intensa colección.

Galería de Delara Darabi

*Tomado de http://demadamex.blogspot.com/2011/01/delara-darabi-la-prisionera-del-color.html

Recomiendo este blog: LA VIE EN NOIR
http://demadamex.blogspot.com/

Arte marginal*

2011-04-26T09:38:00.009-04:30

Adolf Wölfli, 1910.

El término Arte marginal fue acuñado por el crítico de arte Roger Cardinal en 1972 trasladando al inglés el concepto de Art Brut concebido por el artista francés Jean Dubuffet para describir el arte creado fuera de los límites de la cultura oficial; el interés de Dubuffet se dirigía especialmente hacia las manifestaciones artísticas llevadas a cabo por pacientes de hospitales psiquiátricos.

Mientras que el término de Dubuffet es bastante específico, el término outsider art se hacía extensivo a los artistas autodidactas o naïf, aunque nunca hubiesen sido internados en una institución psiquiátrica.

El artista marginal es por tanto aquel que desarrolla su labor creativa sin contacto alguno con las instituciones artísticas establecidas, respondiendo a una fuerte motivación intrínseca y haciendo uso frecuentemente de materiales y técnicas inéditos. Una gran parte del arte marginal refleja estados mentales extremos, idiosincrasias particulares o elaborados mundos de fantasía. Desde el año 2000 el Premio Europeo EUWARD, que galardona a artistas mentalmente discapacitados, viene proveyendo a este tipo de arte con un forum internacional.

El Art Brut es un término acuñado en 1945 por Jean Dubuffet para referirse al arte creado por gentes ajenas al mundo artístico sin una formación académica. Dubuffet omenzó a reunir una colección de esta clase de obras y a divulgarlas por medio de exposiones y de publicaciones después de la segunda guerra mundial para quitarle a las obras el rótulo de arte de enfermos mentales.

Dubuffet afirmaba que todos llevamos un potencial creativo que las normas sociales actuales anulan. Esto se observa en las creaciones de personas que se mantienen al margen de la sociedad, tales como: internos de hospitales psiquiátricos, autodidactas, solitarios, inadaptados o ancianos. Desde 1945 Dubuffet recoge estas obras, fundando en 1948 la "Compagnie d´Art Brut" junto a André Breton, Michel Tapié y otros. La colección formada llega a las 5000 obras, que se exponen por primera vez en 1967 en el Musée des Arts Decoratifs de París, instalándose definitivamente en 1976 en el Château de Beaulieu de Lausana. La colección está formada en su mayoría por obras de enfermos psiquiátricos, generalmente esquizofrénicos; pese a ello, Dubuffet rechazó siempre la idea de "arte psiquiátrico" afirmando que "no existe un arte de los locos". El art brut constituye un aspecto fundamental del primitivismo asumido (aunque se trate de una expresión muy revaluada en la actualidad) asumido a lo largo de todo el siglo XX por ciertos artistas que permanecen al margen de la modernidad.

Artistas marginales famosos

Weltachse mit Haase, de August Natterer, 1919.

Ferdinand Cheval (1836-1924)
Adolf Wölfli (1864-1930)
Madge Gill (1882-1961)
Henry Darger (1892-1973)
Martín Ramírez (pintor) (1895-1963),
Achilles Rizzoli (1896-1981)
Alexandre Lobanov (1924-2003)
Nek Chand (n. 1924)
Paul Salvador Oroverde (n. 1960)
Justo Gallego (n. 1925)

Pintores Art brut

Bibliografía

Roger Cardinal, Outsider Art, London, 1972.
Roger Cardinal, Art Brut. In: Dictionary of Art, Vol. 2, London, 1996, p. 515-516.
Turhan Demirel, "Outsider Bilderwelten", Bettina Peters Verlag, 2006, ISBN 3-939691-44-5
Jean Dubuffet: L’Art brut préféré aux arts culturels [1949](=engl in: Art brut. Madness and Marginalia, special issue of Art & Text, No. 27, 1987, p. 31-33).
Hal Foster, Blinded Insight: On the Modernist Reception of the Art of The Mentally Ill. In: October, No. 97, Summer 2001, pp. 3-30.
Deborah Klochko and John Turner, eds., Create and Be Recognized: Photography on the Edge, San Francisco: Chronicle Books, 2004.
John M. MacGregor, The Discovery of the Art of the Insane. Princeton, Oxford, 1989.
John Maizels, Raw Creation art and beyond, Phaidon Press Limited, Londres, 1996.
Lucienne Peiry, Art brut: The Origins of Outsider Art, París: Flammarion, 2001.
Lyle Rexer, How to Look at Outsider Art, New York:Abrams, 2005.
Colin Rhodes, Outsider Art, spontaneous Alternatives, London, 2000.
Michel Thévoz, Art brut, New York, 1975.
Maurice Tuchman and Carol Eliel, eds. Parallel Visions. Modern Artists and Outsider Art. Exhb. cat. Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, 1992.
Allen S. Weiss, Shattered Forms, Art Brut, Phantasms, Modernism, State University of New York, Albany, 1992.
Self Taught Artists of the 20th Century: An American Anthology San Francisco: Chronicle Books, 1998

*Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_marginal

Un poeta vietnamita recibió el premio Libertad de Publicación

2011-04-26T08:44:00.009-04:30

Lunes 25 de Abril de 2011 20:40 | El joven, harto de la censura en su país, decidió fundar una editorial clandestina. Lo distinguieron por editar en condiciones difíciles.

CLANDESTINO. Biu Chat escribe, edita y publica sus obras y las de otros autores prohibidos en Vietnam. FOTO DE INTERNET

BUENOS AIRES.- El editor vietnamita Bui Chat, fundador y director de Giay Vun Publishing House, recibió hoy el Premio a la Libertad de Publicación 2011 de la Unión Internacional de Editores (UIE) en un acto en la Feria del Libro de Buenos Aires. El poeta y editor clandestino fue galardonado por "su coraje ejemplar para defender la libertad de prensa" y por "editar en condiciones difíciles".

En 2002, harto de no poder publicar sus libros de poesía en Vietnam, Chat creó una falsa identidad y fundó la editorial Giay Vun. Allí comenzó a publicar los libros que el gobierno vietnamita no autoriza -entre ellos, varios de historia y sociología- para lo que pagó costos extra para imprimir, recurrió al mercado negro y estableció una red clandestina de distribución.

Ahora, el editor de 32 años será homenajeado y recibirá un premio de 5.000 francos suizos de parte del residente de la Unión Internacional de Editores (International Publishers Association, IPA), YoungSuk “Y.S” Chi, que entrega ese galardón desde 2005. En la ceremonia estarán presentes el periodista José Claudio Escribano, el jefe de Gobierno porteño, Mauricio Macri, y su ministro de Cultura, Hernán Lombardi.

"Estoy honrado de estar aquí por los esfuerzos sin tregua de los activistas por la libertad en Vietnam”, sostuvo Chat. "En un lugar donde la libertad sólo existe en los actos arbitrarios del Gobierno, todos los esfuerzos por la justicia y el amor parecen sin sentido, y sin embargo elegimos publicar", agregó.

Contra el regimen
La editorial Giay Vun (Papel Reciclado) trabaja en la edición e impresión de las obras de los denominados "poetas del pavimento", generalmente amenazados por la censura de las autoridades.

El liderazgo de Chat y de su empresa han ayudado a que se establezcan en Vietnam otras casas editoriales que trabajan de modo libre, publicando las obras de autores e historiadores censurados o que podrían ser censurados, según informaron los organizadores del premio.

"Los libros tienen el poder de hacer al mundo libre. Libertad para aquellos que publican libros, para quienes los leen y para los que discuten los contenidos. Esperamos que este premio sea un aliciente significativo para quienes desarrollan el movimiento editorial independiente y para la sociedad civil de Vietnam", expresó. (DPA)

Tomado de http://www.lagaceta.com.ar/nota/432828/Informaci%C3%B3n_General/poeta-vietnamita-recibio-premio-Libertad-Publicacion.html

EL CISNE NEGRO (Y EL BLANCO)

2011-03-31T14:12:00.004-04:30

Pilar Alberdi

Hoy, aproveche un rato libre de la mañana para leer opiniones sobre esta película. Encontré un popurrí curioso, desde quien considera al personaje de la bailarina «un ser perturbado», «frigida» que es un término que se ha utilizado en la promoción, hasta quien dice que es una «película oscura», «la cumbre del terror», y muchas más definiciones. En realidad nadie está equivocado. La mayoría opina que es un thriller. Y me parece que esta palabra, thriller,convertida en signo, es decir en símbolo, últimamente acapara cualquier definición de película o libro que se quiera poner a la venta. Ella, por sí sola, parece garantía de éxito y ventas. Pero ¿es un thriller? Lo que sí hay aquí, sin ninguna duda, es un drama familiar, aunque quede desdibujado o mezclado con la dura rutina de una bailarina que desea conseguir un objetivo que asume como suyo: llegar a ser la primera figura de un ballet. La película permite también comprender la dureza, la dedicación que exige este arte, a tal punto que, por momentos, casi roza el masoquismo o la tortura. Se muestra, además, la competencia entre las aspirantes; las expectativas que el director vuelca sobre ellas con su dosis de provocación, sexo, desprecio, y olvido. Pero el verdadero drama de esta historia, no es ese; es la relación madre-hija, que impone a la segunda, de manera inconsciente, cumplir con los sueños frustrados de la primera. Por una parte, tenemos: dominación-agresión, (papel que también es asumido por el director del ballet), por otro y como respuesta, sometimiento-autoagresión, y por fin, comprensión y liberación.

La protagonista sólo tiene una manera de vencer para escapar de la tiranía de la madre,la culpabilización, e incluso la frigidez que le ha sido impuesta. A ese fin sirven una de las compañeras del ballet, el director, su propia comprensión, y la figura del cisne negro. La bailarina fue una hija dócil, buena y obediente, cumplió con todo lo que le exigió su madre; pero sólo cuando logra aceptar el lado oscuro, precisamente aquel que le ha sido impuesto de manera tan contumaz para ella desde su nacimiento, me atrevería a decir mejor, desde el conocimiento de su gestación, es cuando encontrará el sentido de su lucha y luego de su paz, aunque en la película esta paz sea dramática. Nina, la hija, la joven, la bailarina, accede, por fin, a su polo opuesto, lo reconoce, deja de temerlo y lo asume como propio aunque sea en medio de alucinaciones.

En la vida real, encontrar en nosotros mismos el polo opuesto de lo que somos, aquel que nos disgusta y despreciamos porque lo hemos sufrido o vivido en las personas que nos rodeaban en nuestra niñez y adolescencia, es decir, en la época en que éramos más vulnerables, resulta siempre revelador. Es aceptar que ya no tenemos obligación de ser como otros han decidido que seamos. Es, de alguna manera, rebelarse y madurar.

Quienes hayan tenido personas autoritarias a su alrededor, pero no han asumido como propia esa manera de ser, es muy probable que busquen amistades, compañeros de actividades, o parejas de este tipo, de una manera tan inconsciente, que cuando alcancen a verlo, ya será tarde. Y si después de una primera unión y ruptura, aún siguen sin comprender el mecanismo que las lleva a buscarlas (el amor primigenio a la figura materna o paterna al margen de sus capacidades de dar amor) volverán a repetir el mismo proceso, y a equivocarse nuevamente.

No sé si alguien ha dicho de esta película que es la historia de un triunfo. Pero metafóricamente, lo es, pese a su infeliz desenlace. Es el triunfo del reconocimiento. El cisne blanco y el negro tienen que ir unidos, tienen que saber convivir juntos, para que una parte no se vea en la necesidad de vencer o destruir a la otra . De este reconocimiento, sin duda, nace el difícil equilibrio del que dependen muchos de los actos de nuestra vida.

Ficha técnica: el director es Darren Aronofsky, y en los papeles protagonistas las actrices Natalie Portman, Mila Kunis, Bárbara Hershey, y el actor Vincent Cossel.

El presidente de la Federación Internacional dice que el ajedrez lo trajeron los extraterrestres*

2011-01-18T13:20:00.000-04:30

Ilyumzhinov asegura que en 1997 subió a una nave extraterrestre

Redacción - 22/09/2010 12:46

El presidente de la Federación Mundial de Ajedrez (Fide), Kirsan Ilyumzhinov, cree que el ajedrez lo trajeron a la Tierra los extraterrestres. "¿Se da usted cuenta de que es un juego cósmico?", pregunta en una entrevista con el diario británico 'The Independent'.

Excavaciones efectuadas en distintos lugares de mundo indican que el ajedrez se jugaba con idénticas reglas en varios continentes, y "entonces no había internet", comenta Ilyumzhinov, quien agrega: "Eso significa que lo trajeron de algún lugar".

Ilyumzhinov insiste además en que "hay algún código" en el ajedrez y señala que el tablero tiene 64 cuadrados , el mismo número de codones (órganos celulares) que hay en el ADN humano. También cree que el maíz lo trajeron a la Tierra seres de una civilización ajena a la Tierra. El excéntrico Ilymzhinov ha afirmado en diversas ocasiones que alienígenas le llevaron en 1997 a una nave espacial, donde estuvo charlando con ellos antes de regresar a la Tierra. "No estoy enfermo, se defiende. Soy normal psicológicamente. No oculté (el supuesto contacto con alienígenas) aún a sabiendas de que la gente se reiría de mí y me trataría de loco. Fue tal vez una forma de autosacrificio", explica al diario británico.

Además de su cargo que ocupa en la Fide desde 1995, al que es de nuevo candidato frente al ex campeón mundial Anatoly Karpov, el excéntrico Ilyumzhinov es millonario y es presidente de Kalmykia, una región budista de Rusia en la costa del mar Caspio, donde ha construido el mayor templo de esa religión en Europa.

Una torre en vez de la mezquita de Nueva York

Preocupado por la polémica en torno al plan de construir una mezquita en el solar que ocuparon las torres gemelas neoyorquinas, Ilyumzhinov ha escrito al alcalde de esa ciudad, Michael Bloomberg, para ofrecerle 10 millones de dólares destinados a la construcción de un Centro Mundial del Ajedrez en ese lugar. Su plan consiste en construir una torre de 24 pisos en lugar de la mezquita con la forma de la figura del rey en el ajedrez.

"El ajedrez, afirma, es una actividad en la que se dan cita el cerebro y el espíritu competitivo. Pero es una competición sin sangre", añade. En el Centro Mundial del Ajedrez que propone habría una mezquita, una iglesia cristiana, una sinagoga y un templo budista, y la corona del rey sería un observatorio desde donde los niños podrían mirar a las estrellas.

Una escuela de ajedrez daría lecciones gratis de ese deporte de la mente y habría además una red de poderosos ordenadores que organizarían competiciones de ajedrez por internet. Ilyumzhinov cree que el fútbol será un deporte olvidado dentro de uno o dos siglos mientras que el ajedrez nunca desaparecerá.

El presidente de la Fide explica que no utilizará su considerable riqueza personal para financiar todo ese proyecto, pero confía en la ayuda de algunos jerarcas rusos amigos.

*Tomado de http://www.elmundodeportivo.es/gen/20100922/54010153260/noticia/el-presidente-de-la-federacion-internacional-dice-que-el-ajedrez-lo-trajeron-los-extraterrestres.html

Puertas de Galina: Poética de las puertas

2010-12-21T10:57:00.001-04:30

Texto leído durante la presentación del libro Puertas de Galina, del poeta Alberto Hernández, el día viernes 26 de noviembre, 4:oo p.m, en el auditorio de la Facultad de Ciencias de la Educación de la Universidad de Carabobo. (en la segunda foto, de izquierda a derecha, Néstor Mendoza (presentador) Geraudí González (moderadora), y los poetas guariqueños Alberto Hernández y Enrique Mujica.

PUERTAS DE GALINA: POÉTICA DE LAS PUERTAS

Sobro como espacio

Sin cuerpo me nombro
en tantas puertas cerradas

Intentos y el Exilio (1996)
Alberto Hernández.

-Néstor Mendoza-

Alberto Hernández vive en la imagen. Sí, en la imagen, porque ella es un espacio autónomo, que no está subordinado a una simple figura literaria. El poeta ha edificado su obra a través del empleo de la desmesura sin diques, de la llanura de su Calabozo natal. Desde sus primeras publicaciones, la imagen poética tiene un lugar privilegiado. En estos versos de su libro La mofa del musgo (1980) leemos: “Llegará el momento de la carne/ y la noche será tu sangre arrodillada.” Alberto ha trasladado esta inclinación a casi toda su producción intelectual: ensayos, crónicas, artículos, relatos y poemas. Busca, como José Lezama Lima, un reino donde pueda habitar su libertad imaginativa.

¿De dónde viene Alberto Hernández? ¿Qué lo motiva a seguir abriendo surcos en la dura realidad? Al respecto, Gregory Zambrano nos comenta: “Viene de Calabozo, viene de Guardatinajas, viene de Maracay. Viene de México y España, viene del desvelo en justo pacto contra el silencio. Vive para la palabra, en sus poemas, en los afectos de tantos amigos dispersos en las más remotas geografías.” Allí, en las líneas antes citadas, podría radicar el motivo (los múltiples motivos) de Puertas de Galina.

Las puertas de Alberto Hernández carecen de marco. No conocen lo estático, la rigidez del sitio habitual. Puertas de Galina (Editorial Memorias de Altagracia, Caracas, 2010), propone un abrir y cerrar inéditos. Quien abre y cierra la puerta asume nuevos retos: ser habitante perenne o visitante ocasional. La puerta es víctima y victimaria; vertedero de la ausencia: “toda/ la muerte/ amontonada en esa puerta” (p.36). Quien habla tiene el poder de invocar, de conjurar: “uno dice puerta y comienza un irritante murmullo” (p.44). Galina, según Alberto Hernández, es una ciudad imaginada. Una comarca donde se acumula la experiencia del peregrino y la voz movediza del cronista. Su escritura lleva a cuestas el espesor de viajes y lecturas. Veremos constantes citas y dedicatorias. Nombres de ciudades españolas y venezolanas. Ecos, chasquidos. El celaje de un fantasma tras el orificio del cerrojo.

¿Qué designios debo enfrentar ante la puerta abierta? Nos dice el poeta en el texto que inaugura el poemario. Sin embargo, el problema radica en que no existe una sola puerta, sino muchas. Y, en cada una de ellas, sobrevive un gran número de designios. De tanto frecuentar lugares, de asimilar sus formas, de adoptar sus volúmenes, la voz se transforma en eso que ve. Ya no es espacio ajeno fuera del cuerpo, sino órgano y pálpito: “Soy todas esas puertas” (p. 7).

El tema del padre tiene un peldaño especial en el libro. Su imagen se adhiere al abanico de significaciones asociadas a la puerta. Hernández, en el fragmento tres del poema Puerta de ceniza, expresa: "vino mi padre con la puerta de salida al mundo e hizo puente para salvar mi ahogo y alejarme de la noche" (p. 26). Por otra parte, en el texto Silueta, el padre adquiere las dimensiones de una materia ínfima, que ha sido originada por el tiempo que corroe la superficie de la madera:

porque mi padre

es un hoyo en la puerta
esperando un cuerpo

prescindido

(p. 34)

Detrás de la puerta se esconde el misterio y la desmesura, y el padre intenta demoler para hallar lo ignoto: “Mi padre, colorado y enérgico, derriba el adobe hirviente para encontrar el tiempo y sus eclipses” (p. 25).

La puerta guarece de la penumbra, va más allá de lo tangible. Sin ella el poeta se queja en la intemperie. Sin salidas ni entradas el dolor se acumula: “vivimos sin puertas/ en este aquí de umbras” (p. 52). Galina y sus puertas hacen recordar los espacios de Comala, ese pueblo fantasma mitificado por Juan Rulfo. Quienes transitan llevan el peso del martirio tatuado en su marcha errante. La puerta está irremediablemente unida a la muerte; ambas definen el rostro de la voz poética. Hernández pregona los estragos de la sombra. En el poema Exceso, nos dice:

tantas son las puertas, tanto los pasadizos

la ciudad huye de mis ojos
y de espaldas reconozco la desgarradura
la marca del silencio, el gruñido

la bestia que agotó el hueco de la muerte.

¿Quién será esa bestia? ¿Será, acaso, una puerta transfigurada? Sólo sabemos que existe gracias a la complicidad del autor. A su terquedad creativa.

Este libro es una poética de las puertas. Sin el peso utilitario y convencional, la puerta deja de ser armazón de madera o hierro: se ha liberado de los quicios. Se ha vuelto objeto lírico, capaz de enunciar el hallazgo. Portalón, portillo, abertura y respiradero de la casa. Y del poeta.

TOMADO DE: http://nestor-mendoza.blogspot.com/2010_11_01_archive.html

EL PRETÍL DEL CORREDOR

2010-08-06T09:43:00.000-04:30

Reinaldo Chino Romero

Los veo sentados en el pretil que completa el corredor de la casa, en donde se reúnen desde hace tiempo a oír música, conversar, a fumar cigarrillos y beber anís. Particularmente hoy hay un ambiente festivo, acaban de presentar una obra de teatro. Es una de esas noches que ellos alargan y empatan con la noche siguiente.

El corredor estrecho, techado con zin, ese que suena fuerte cuando llueve y se calienta hasta hacerte sudar cuando le cae el sol. En él se amontona el grupo de adolescentes escandalosos, escándalo que aumentan a medida que disminuye el contenido de las botellas. El bombillo que lo ilumina hace sombras y marea.

El chino está sentado observando a los que bailan, los que hablan y a los que están sentados en el patio huyéndole al encierro y al calor. El corredor complementa una casa con paredes de bahareque y piso de concreto, que ya estaba ahí antes de que todos ellos nacieran. En este corredor todos comparten ese primitivo ritual de reunirse, para juntos alejan sus tristezas y soledades.

El adolescente es un ser solitario, a menos que consiga una persona, aunque sea una sola persona que lo escuchen con los oídos del alma. Los padres no atienden el alma de sus hijos. Están pendientes del cuerpo, de vestirlos y alimentarlos, pero no lo oyen con paciencia y sinceridad, no saben que piensan y cuales son sus intereses.

Piñango y Potano no lo soportaron. Piñango se ahorco una madrugada detrás de su casa en una de las matas de mango. Y Potano se enveneno. Todos dicen que: “porque estaba enamorado y la muchacha no le correspondía”, vaya Ud. a saber.

Cuando enterraron a Piñango el chino escribió:“Nada me preocupa / no ha pasado nada nuevo / desde que me fui / los mismos muchachos / se reúnen en el mismo corredor / ellos tampoco / han hecho nada nuevo / la única diferencia es que ya no estoy / ¿Me habrán guardado el puesto? / Porque a mi se me olvidó / guárdales el de ellos / en este frío lugar / donde todos andan sin caminar / y tienen su puesto marcado / con una cruz.”Y al día siguiente sentado en el mismo pretil, cuando el silencio los invadía a todos:“Quien sabe / desde cuando estoy muerto / los miedos me han llevado a suicidarme / sólo que no tengo el valor / de acabar con mi cuerpo. / Iré a todos los entierros / menos al mío. / ¿Por qué esta procesión / me parecerá tan conocida?”Los días van y vienen, el ritual cumple su función de insensibilizar y hacer olvidar. La música, las conversas, los cigarrillos, el escándalo, el estar juntos y el anís, ahuyentan lo cotidiano.

Meses después, cuando Potano se envenenó escribe… “No se te ve triste / estás más tranquilo que ayer / cuando te preocupaba / tu novia / o la incomprensión de tu madre / que hoy ni enterrarte quiso / pocos te acompañan / muchos se asombran / de tu locura de veneno en el gaznate / En mal momento te conocí / Tu dolor es tan profundo / que aún debe dolerte.”

Cada uno busca una salida, una forma de resolver. El chino junto con “Pato loco” y el Filemon huyeron de sus casas y fueron a parar a la casa desocupada de una amiga, con el consentimiento de ella, por supuesto. Ahí estuvieron hasta que el hambre se los permitió. La solidaridad de Clara prolongó algo más esa estadía, robando comida en su casa y atravesaba todo el pueblo, para contribuir con la única comida del día de ese rebelde intento de emanciparse... en ese mini exilio el chino escribe: “Conocimos a Atila / en casa de un amigo / Ya no era el temible jefe de los hunos / más bien encabezaba / un ejercito de fantasmas / que apaciguaba con grande cantidades de aguardiente / varias veces lo vi sentado en la madrugada / hablando solo / o tal vez planificando con sus oficiales de confianza / El pretil del corredor sostenía / su cuerpo sin camisa / y una botella a punto de espirar / En esos momentos no lo molestábamos / era un asunto serio / Nos contó de sus hijos quedados en la planicies / Hoy me pregunto / que tiene que ver Atila conmigo / o será que extraño al amigo a su casa / y al corredor por donde veía pasar mil mundos / sin tener que vivir ninguno de ellos.”

Chino Romero

Julio-2005

Imagen tomada de http://www.artecreha.com/Historia_Arte/images/stories/diccionario/pretil.htm

Arte a base de pintura, sangre y dolor

2010-06-29T20:08:00.000-04:30

El museo Leopold de Viena muestra 240 obras del artista Otto Muehl, acusado y condenado de pederastia y violación

Por: Rubén Machaen

Con motivo de la celebración de su 85 cumpleaños, el artista vienés Otto Muehl vuelve a ser noticia. Fue cofundador y principal representante del accionismo vienés, fenómeno artístico de gran auge en la década de 1960 surgido como un gesto colectivo de protesta contra la historia y el espanto nacionalsocialista, expresando franco rechazo al concepto de arte tradicional. En el accionismo vienés reinaba la violencia bajo una falsa paz mundial. La fusión del arte y la destrucción.
Utilizando el propio cuerpo como elemento medular de sus obras, el accionismo vienés nunca existió como grupo y sus participantes trabajaban sobre conceptos disímiles. No obstante, es considerado como uno de los movimientos más radicales y extraños de la historia del arte. Fotografías de relaciones sexuales, orgías y escenas de lo que parecen ser mutilaciones genitales y actos carnales en baños con sangre como protagonista, se retratan miembros de la comuna experimental creada en 1971 en Viena y trasladada a Friedrichshof (al este de la capital) en 1974.
En 10 años hubo unos 600 participantes en las obras de Muehl bajo la premisa de “vale todo”, dándole cabida incluso a la participación de niños, haciendo que el accionismo vienés derivara en una especie de secta en las que el artista creaba bajo efectos de alcohol, drogas y constantes orgasmos.
Después de las últimas exhibiciones de la obra de Muehl (1998 y 2004 respectivamente) en el Museo de Artes Aplicadas (MAK, por sus siglas en alemán) el museo Leopold de Viena ha abierto puerta franca para la muestra de 240 obras del controvertido artista. A pesar de haber sido fuertemente criticado en su última exposición hace seis años, actuales testimonios de Muehl pidiendo disculpas a todos aquellos que haya podido “afectar con su obra”, dotan a la exposición de un carácter artístico refutado por muchos.
“Los testimonios de los jóvenes en el juicio me dejaron perplejo. Quise liberarlos, pero los arrollé y delinquí al romper barreras sexuales. Confío en que me perdonen (…) me he dado cuenta de que no deseo que se crea que me es indiferente haberle hecho daño a la gente”, escribe Muehl desde una localidad cercana a Faro (Portugal).
El museo Leopold, creado por el oftalmólogo Rudolf Leopold y su esposa Elisabeth, fue creado con la colección que desde la década de 1950 fue adquiriendo el matrimonio, logrando reunir centenares de obras maestras del Modernismo austriaco –desde el siglo XIX hasta la primera mitad del siglo XX- albergando la mayor colección de artistas como Gustav Klimt, Egon Shiele y Koloman Moser, abre hoy sus puertas a mostrar un arte que, si bien dista de lo usualmente expuesto, dará mucho de qué hablar.

Tomado de http://www.talcualdigital.com/Avances/Viewer.aspx?id=37103&secid=7

La vuelta de Otto Muehl

Polémica en Viena ante una exposición del 'guru' que fue condenado por abuso de menores
JULIETA RUDICH, - Viena - 19/02/1998

Una vez más, un personaje del mundo de las artes alimenta en Austria encendidas polémicas. El escándalo gira ahora en torno a Otto Muehl, el pintor accionista que ha reaparecido con un protagonismo espectacular después de pasar seis años y medio en la cárcel, condenado por abuso sexual y violación de menores. Entre rejas pintó una serie de cuadros que ayer se presentaron en una exposición del Museo de Artes Aplicadas (MAK) de Viena. Según Muehl, ésta es la obra más agresiva de su vida.
Centrado en la sexualidad y el tabú, el artista muestra con la inmediatez de los cómics y de las gráficas publicitarias violentas escenas de coito, sodomía, esperma y excrementos, buscando en estas coordenadas la provocación política. "Para mí, lo más importante es el lenguaje directo para transportar contenidos difíciles de digerir", dice Muehl, y compara el impacto erótico de sus mensajes con los frescos de Miguel Ángel; sus excentricidades, con la locura de Van Gogh, y su castigo penal, con el que padeció Egon Schiele, sin tener en cuenta que aquel pintor de principios de siglo fue arrestado sólo 24 horas bajo sospechas infundadas de pederastia.
Rudolf Leopold, conocido por su enorme colección de Schiele -que actualmente se expone en el Museo Picasso de Barcelona-, es también el mayor coleccionista de la obra de Muehl. "Su pintura es buena, pero me parece absolutamente ridículo que se compare con estos otros artistas, muy superiores a él".
Otto Muehl fue una de las figuras clave del accionismo austriaco, un movimiento de artistas que en los años sesenta y setenta provocaban indignación mediante fiestas ofensivas destinadas a desvelar las represiones burguesas. Muehl persiguió sus utopías con perseverancia ortodoxa. Para poner en práctica su concepto utópico de sociedad libre, fundó en 1972 la comuna de Freidrichshof, cerca de la frontera con Hungría. Más adelante, él y sus devotos instalaron una filial en la isla canaria de La Gomera. No tardó Muehl en convertirse en una especie de guru que ya no sólo promulgaba libertad sexual y rechazaba la relación de pareja y la propiedad privada, sino que decretaba sus convicciones con despotismo y no toleraba desertores. Obligaba al sexo en grupo, descartaba el privilegio de enamorarse, los hijos eran separados de sus padres y los menores eran iniciados por adultos en las prácticas sexuales. "Cometí varias equivocaciones", dice Muehl después de salir de la cárcel, "queríamos evitar a los más jóvenes las desilusiones de las primeras experiencias del amor, pero tras estos anos de reflexión he llegado a la conclusión de que cada uno debe dar sus primeros pasos a su manera". También se arrepiente del concepto de sociedad sin propiedad privada: "La propiedad es necesaria, de lo contrario no se desarrolla el sentido de la responsabilidad". Estas palabras de Muehl son motivo de soma, porque todos saben que la propiedad común que él exigió en el pasado le está perjudicando ahora. Ya no quiere soportar que los ex miembros de la comuna estén vendiendo como propios 300 cuadros que él pintó mientras vivía en la colectividad. El caso está en litigio.
Tanto sus seguidores ahora emancipados como los medios de comunicación y sectores de la política critican a Muehl aun después de cumplida su condena, seguramente por la creciente sensibilidad frente a casos de pedofilia. Les disgusta que el antiguo guru no se haya disculpado ante sus ex seguidores. Pero sobre todo les irrita que una cierta élite cultural celebre al ex guru de forma privilegiada.
Aunque su arte no es la escritura ni el drama, hace unos días el pintor debutó en el antro teatral más solemne del ámbito germanohablante: el Burgtheater, por tradición reservado a los máximos exponentes de la historia de la literatura. La suntuosa sala se llenó de curiosos que no querian perderse el escándalo de la temporada; sólo unos pocos simpatizaban con el artista y otros pocos fueron para silbarle y exigir "solidaridad con las víctimas". Hubo actores que, en señal de protesta, se negaron a participar en el espectáculo, que no fue otra cosa que una autodefensa de Muehl en forma de sátira.

Tomado de http://www.elpais.com/articulo/ultima/AUSTRIA/vuelta/Otto/Muehl/elpepiult/19980219elpepiult_2/Tes/

Accionismo vienés

El término Accionismo Vienés (Wiener Aktionismus) comprende un corto y polémico movimiento artístico del siglo XX. Se trata de una de las aportaciones más inquietantes y radicales del arte austriaco de vanguardia, y puede entenderse como una de las consecuencias de los esfuerzos que los artistas de la década de 1960 llevaban a cabo para llevar el arte al terreno de la acción (Fluxus, Body Art, etc.). Entre sus principales representantes se encuentran Günter Brus, Otto Mühl, Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzkogler, que desarrollaron la mayor parte de sus actividades accionistas desde 1960 a 1971.
Analizando la bibliografía existente en torno a la obra de los accionistas de aquellos años, parece ser que la mayoría de ellos no eran conscientes de pertenecer a un grupo identificado como tal. En torno a este asunto, Malcom Green cita el siguiente comentario de Hermann Nitsch:
El accionismo vienés nunca existió como grupo. Simplemente, un buen número de artistas reaccionaron contra la situación en la que el arte y ellos mismos se encontraban, con la casualidad de que todo ello sucedió en la misma época y tuvo similares significados y resultados.
De estas palabras se deduce que, al contrario de muchos de los movimientos vanguardistas del siglo XX, el accionismo vienés nunca tuvo una definición ni una guía referencial clara.

Arte, radicalidad, y transgresión

Durante muchos años, los trabajos de los accionistas fueron llevados a cabo de forma simultánea e independiente de los demás movimientos artísticos contemporáneos de la época, los cuales, compartían un interés común en el rechazo al arte estático y tradicional. La práctica de alguna de sus ideas requerían la realización de “acciones” en entornos controlados, o ante extensas audiencias.
Principalmente, los accionistas vieneses son recordados por lo grotesco y lo violento de muchos de sus trabajos, donde frecuentemente se realizaban sacrificios a animales, rituales orgiásticos o prácticas sexuales aparentemente sangrientas (como simulaciones de mutilaciones genitales o violaciones). Todo ello desafiaba a las convenciones éticas y morales sobre las que se cimenta la sociedad occidental, por lo que muchos de estos artistas fueron perseguidos por la ley y por varias asociaciones ecologistas y religiosas. Así, en junio de 1968, Gunter Bruss (que llegó a decir que la destrucción era un elemento fundamental de su arte) fue arrestado por “degradar los símbolos del país” en su obra Kunst+Revolution (Arte+Revolución). No obstante, tras seis meses de condena logró escapar con su familia a Alemania. Otros accionistas como Otto Mühl y Hermann Nitsch también cumplieron condenas por participar en varias “acciones” de carácter abiertamente blasfemo y violento.
En 1966, se celebró en Londres el primer “Simposio de la Destrucción en el Arte”, considerado como el primer encuentro entre artistas pertenecientes al Fluxus y al Accionismo Vienés. Esta reunión supuso el reconocimiento oficial a nivel internacional de la obra de varios accionistas, en especial de las de Brus, Mühl y Nitsch.
A pesar de que cada uno de estos artistas trabajaban sobre conceptos diferentes, compartían la misma visión estética y temática sobre el arte. Usaban el propio cuerpo como elemento central de sus obras, tal y como puede apreciarse en los títulos de una de las acciones de Brus, Cuerpo pintando, Mano pintando (1964), o en Degradación del cuerpo femenino, degradación de una Venus (1963) de Mühl y Nitsch. Este esfuerzo por transformar el cuerpo humano en superficie y producción de su propio arte, tiene sus raíces en el Body Art o en la Performance Art, movimientos que fueron llevados radicalmente hasta sus extremos por los accionistas vieneses. El significado de estas “acciones” unido al progresivo abandono de la pintura, teatro y escultura por parte de los accionistas, sirvió como definición subjetiva de la obra anti-artística.
Esta filosofía quedará reflejada en el “Manifiesto de la Acción Material” de Otto Mühl (1964), donde el autor escribe,
...de manera progresiva, la pintura se aleja cada vez más del uso de materiales tradicionales. El cuerpo humano, una simple tabla o una habitación pueden ahora servir perfectamente como superficies donde pintar. El tiempo es entonces agregado a la dimensión del cuerpo y el espacio.
En otro contexto, Brus y Mühl llegaron a proclamar lo siguiente, tras su participación en la acción de Günter anteriormente mencionada, Kunst+Revolution:
...nuestra consolidada democracia, utiliza el arte como válvula de escape, e intenta sobornar al “artista” vanguardista, rehabilitando sus ideas y expresiones “artísticas” revolucionarias para convertirlas en una forma de arte aceptable por el estado. Pero este “arte” no es arte, sólo es política creada desde los más altos estamentos.
Condenable y deleznable para muchos, el accionismo vienés siempre ha generado debates polémicos en torno a los límites y a los abusos del arte. Actualmente, la mayoría de los que fueran representantes más destacados del movimiento trabajan de forma independiente en proyectos ajenos a la estética accionista, quedando sus obras como retrato de una de las épocas más radicales y extrañas de la historia del arte.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Accionismo_vien%C3%A9s

SALVACIÓN PROVISORIA*

2010-06-08T11:17:00.001-04:30

Luis Emilio Romero

En que parte de mí

escarba un caracol su alba.

Debelando sin descanso

óxidos en los bordes de la noche.

Una escritura balbuciente en los ecos sumergidos

ata un lento silabario

de vuelos azules.

La hora en que desde el fondo

gotean anémonas

al alma desleída del paisaje.

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La luna es un espejo

donde se miran nuestros deseos.

Cae como un ángel de heladas alas

hasta nuestras manos.

Es la hora

en que parten las estrellas

cargadas en un tranvía que rueda

sus amuletos sobre rieles de nácar.

Es la hora

en que desde el fondo de su alma

el mar se dobla como un niño dormido.

Trae antiguos rumores sumergidos

deletrea a mis pies su fina caligrafía

de vientos mareas desguarnecidas.

He aquí la edad de esa piel

tiene el rubor de un beso

unos labios entreabiertos

se despeñan desde mis ojos trasnochados.

En la hora

tendida como un mapa

ella me pierde.

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Ven

bebe en mis manos

el licor del último pleamar.

Cabalgo una nube

sobre una playa sedienta.

Marzo levanta la casa

hace jirones los muebles

la yesca de la centella.

Ven

lee en mi sangre

el negro eclipse de la tempestad

que llevo por dentro.

Sacúdeme el nombre

que verán tus ojos

bajo el trópico destartalado

condúceme al pleno mediodía

de mi sombra quemada por el rayo.

Ven

inclina tu espalda

lava mi cuerpo

sálvalo del apuro

con que traga el mar.

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Plantado a lo lejos

un faro lastima la bahía

Toca la noche su magia como un mármol

los seres hasta las profundidades

Carne a la deriva mi desvelo

escurre sobre tu cuerpo lucero agobios

El ser entero fue un cielo desparramando

promesas cegueras contra la piel ardiente

Toca con tu desnudez la piel del agua

sed que la distancia reconcilia

Humano como el primer nombre

adoro tus estudiadas formas.

*Estos cuatro poemas pertenecen al libro Salvación provisoria (Caracas, editado por El Perro y la Rana en el año 2006) Luis Emilio Romero es licenciado en Letras por la Universidad del Zulia. Lleva tres poemarios publicados. Es ganador de varios premios literarios nacionales. Profesor y director en instituciones educativas secundarias y universitarias de la Isla de Margarita. Fundador y directivo de la conocida revista de arte y literatura Tropel de Luces.

Imágenes: Caspar David Friedrich, 1774-1840 (Las tres edades, La luna saliendo a la orilla del mar y Monje a la orilla del mar)

La historia negra del tango. Todo tiene su “historia negra”, pero de esta estamos orgullosos

2010-04-19T10:57:00.000-04:30

Exposición en el Museo Casa Carlos Gardel, Jean Jaurés 735, Buenos Aires

Del 23 de abril al 21 de mayo de 2010

Inauguración: 23 de abril, 19 horas

Curaduría e investigación: Norberto Pablo Cirio

Aunque toda historia tiene su comienzo, la del tango aún espera ser escrita. No es que no se sepa nada sobre la cuestión, es que lo que se ha dicho es, en muchos aspectos, insatisfactorio. ¿Por qué? Por una aparente falta de pruebas y, fundamentalmente, de reflexión teórica. Algunas veces ambas faltas fueron remedadas con el anecdotario, tentador fruto silvestre del que se han servido memoriosos diletantes. En otras, el ansia por vincular la cuestión a un conveniente linaje andaluz -léase blanco-, taponó su entendimiento en clave americanista, es decir, mestiza. Ello no fue sino la resultante de nuestro deseo por desentendernos de que, desde el descubrimiento español de lo que hoy es la Argentina, nuestra sociedad se urdió con la gente de la tierra y con quienes bajaron tanto de barcos europeos que venían Europa como de barcos europeos que venían de África. Por ende, la insatisfacción aludida se debe a que el tango no pudo haberse gestado ni desarrollado de manera refractaria al común denominador de la América postcolombina, el mestizaje. Si llamarnos americanos es pensarnos mestizos, por mal camino procuramos entender el largo proceso histórico de nuestra sociedad sólo en términos eurocentrados. No fuimos, ni somos, la excepción blanca de América y más de cuatro siglos de convivencia pluriétnica y multicultural invitan a repensar nuestra música ciudadana desde una perspectiva sociohistórica integradora. En verdad, hubo intentos por explicar cierta mancomunidad participativa, mas no pasaron de lo hipotético, transliterando el modo de preparación de una comida. Así, equiparando aportes con ingredientes, se consideró que los negros aportaron el ritmo y los blancos la melodía y la armonía. Además de pecar de simplista -como si en África no hubiera más elementos sonoros que el rítmico-, los procesos sociales no operan con tal elementariedad y en cultura no es como en matemática ya que la resultante es, siempre, más que la suma de las partes.

Esta exposición propone un recorrido sui géneris sobre el tango y parte de un sujeto histórico concreto y vivo, el afroargentino del tronco colonial, inconsulto por todo investigador interesado, amateur y profesional. Dado que el saber existente fue generado allende a toda fuente histórica y etnográfica negra, estimamos que una original perspectiva para repensar el tema es desde la propia voz de quien siempre estuvo, de alguna manera, señalado. Así, la exposición reúne, por primera vez, una amplia gama de documentos probatorios del surgimiento del tango en un contexto social donde los negros fueron artistas y protagonistas y de cómo han venido participando al presente. El recorrido propuesto comienza por el baile afroporteño por excelencia, el candombe, el cual aún ellos practican. También se exhibirán objetos de destacados compositores e intérpretes negros, como fotografías, partituras y discos. Por último, se completa la muestra con partituras de compositores blancos que tratan, desde diversos aspectos, la cuestión de la negritud, contribuyendo, en buena medida, a un imaginario social incluyente de lo negro del tango.

Actividades paralelas

Cada viernes dentro del mes de la exposición, se realizarán actividades afines. Las dos primeras son:

v Viernes 19 de abril. 19 horas

Conferencia de Norberto Pablo Cirio sobre la prosapia negra del tango y recital de música afroargentina por Bakongo.

v Viernes 30 de abril, 19 horas

Cine-debate: Donde arde el fuego nuestro (Pablo Cirio, 2009, aprox. 40’).

Norberto Pablo Cirio

Doctorando en Cs. Antropológicas (UBA). Trabaja en el Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” en un proyecto de investigación sobre las prácticas musicales afroargentinas. Es miembro de la Asociación Misibamba.En la lucha curtida del camino… Antología de literatura oral y escrita afroargentina (INADI, 2007), y Tinta negra en el gris del ayer. Los afroporteños a través de sus periódicos entre 1873 y 1882 (Biblioteca Nacional - Teseo, 2009) y editor de los libros de Néstor Ortiz Oderigo Esquema de la música afroargentinaLatitudes africanas del tango (UNTREF, 2009). Comunidad Afroargentina de Buenos Aires, autor de (UNTREF, 2008) y Latitudes africanas del tango (UNTREF, 2009).

GRACIELA PÉREZ

2010-04-08T07:15:00.000-04:30

Arturo Álvarez D´ Armas

La cantante cubana Graciela Pérez, nació en el Barrio Jesús María, en La Habana, el 23 de agosto de 1915. Falleció el 7 de abril de 2010 en un hospital de la ciudad de Nueva York; lugar a donde se habia ubicado por casi 70 años.

Segun Nat Chaediak "... Hermana de Machito y cantante de su orquesta durante treinta y dos años. Se da a conocer como vocalista fundadora de la orquesta de mujeres Anacaona, con la cual se presenta en La Habana durante once años, a partir de 1932. Viaja con ella a Nueva York (1937) y París (1938).

Emigra definitivamente a EEUU en 1943, cuando su hermano ingresa en el ejército norteamericano y Mario Bauzá la invita a su orquesta. Con Machito grabó temas inmortales como Contigo en la distancia y Noche de Ronda. Fue conocida como la "primera dama del bolero" en EEUU. Se distinguió por sus brillantes actuaciones; por su sensibilidad, fraseo y lealtad a las creaciones de los compositores; nunca le faltó respeto a la letra ni a la melodia de una canción; la recordamos tambien por su sentido de buen humor y su picardía. Duró casi cuatro décadas en la Orquesta de su hermano Frank Grillo,"MACHITO".

Graciela se unió a la orquesta de su cuñado, Mario Bauzá (antiguo director musical de la orquesta de Machito). Su vinculación con esta orquesta duró desde la decada de los setenta hasta la muerte de celebre jazzista en 1993.

Muchas de las interpretaciones de Graciela fueron brillantes arreglos de René Hernández y Chico O´Farrill.

Su última grabación fue titulada "Inolvidable" ; la realizó junto a su gran amigo Cándido Camero. Esta grabación, combinada con su más reciente aparición en el documental "Manos de Fuego", fueron solamente dos de los humildes legados de Graciela, una de las divas más brillantes que la isla de Cuba le haya presentado al mundo.

El legendario percusionista cubano Cándido Camero, quien compartió escenarios con ella a lo largo de varias décadas y grabó Inolvidable, Cándido & Graciela (Chesky Records, 2006), el último disco de la cantante, aseguró que será difícil sustituirla.

"No creo que nadie pueda ocupar el lugar que ha dejado la Reina del Jazz Afro-Cubano, mi amiga, mi hermana, Graciela Pérez", expresó consternado.

En 1986 el pianista Jorge Dalto les produce Afro-Cuban Jazz con los mejores músicos de Nueva York. En 1992 y 1993 graba tres discos con Bauzá. En 1995 graba el bolero "Ayer te vi llorar" para el trombonista Steve Turre.

Entre los reconocimientos que recibió la intérprete se encuentran el Latin Jazz USA Chico O'Farrill Lifetime Achievement Award 2006 y varias nominaciones para el premio Grammy.

Sus 93 años los celebró en el Lincoln Center de Nueva York.

A Graciela le conocí en los carnavales de Caracas del año 1966 o 1967. Vino acompañada de la gran orquesta de Machito.

Fotos tomadas de: gonikus.blogspot.com

REX NETTLEFORD (1933 - 2010)

2010-04-08T06:58:00.000-04:30

Arturo Álvarez D´ Armas

El martes, 2 de febrero pasado, falleció el gran coreógrafo, bailarín, profesor, escritor e intelectual jamaicano Rex Nettleford. Había sufrido un ataque cardíaco en la ciudad de Washington, donde se encontraba para asistir a un evento a beneficio de la Unversidad de las Antillas. Nació el 3 febrero de 1933, en el poblado de Falmouth al norte de Jamaica.
Su nombre completo era Ralston Milton Nettleford. Fundador y director desde 1953, de la Compañía Nacional de Danza y Teatro de Jamaica. Nettleford, estudió en la Universidad de Oxford al conseguir una beca Rhodes. El exigía que se retrate de manera positiva a la mayoría negra jamaiquina. En su libro de 1969, "Mirror Mirror", examinó la situación de los negros jamaiquinos casi 10 años después de la independencia de la isla. Vicecanciller emérito de la Universidad de las Antillas y fungió como asesor cultural de tres primeros ministros de su país, incluído Golding. En 1985 la Casa de las Américas le concedió el Premio Maurice Bishop.
"Jamaica y todo el mundo han perdido a un intelectual y genio creativo", dijo el primer ministro Bruce Golding. "Rex Nettleford fue un icono internacional, un caribeño por excelencia, profesor, escritor, bailarín, gerente, orador, crítico y mentor". El ex primer ministro de Jamaica Edward Seaga alabó su pasión por el arte y el folklore regional. "Tenía una voluntad para absorber la cultura jamaiquina", dijo Seaga.
Pionero de los estudios sobre la cultura Rastafari. Al profesor Nettlefor, le conocí en un viaje a Jamaica en el año 1977. En esa misma década visitó Venezuela, invitado por el Ministerio de Relaciones Exteriores y con su agrupación de Danza se presentó gratuitamente en el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela. Fue uno de los valores más auténticos de la cultura caribeña. En 1985 la Casa de las Américas le concedió el Premio Maurice Bishop.
Algunas de sus obras son las siguientes: Inward Stretch Outward Reach. A Voice from the Caribbean. London: The Macmillan Press LTD, 1993.
Caribbean Cultural Identity. The Case of Jamaica. Kingston: Institute of Jamaica, 1978.
Mirror, mirror. 1969.
Identity, Race, and Protest in Jamaica. New York: William and Morrow, 1972. Dance Jamaica: Cultural Definition and Artistic Discovery. 1985.

Fotografía tomada de: http://www.stabroeknews.com/images/2008/09/20080905nettleford.jpg

Silvio Rodríguez cree que Cuba "pide a gritos" la "revisión de muchas cosas"

2010-03-27T18:22:00.000-04:30

El cantautor cubano Silvio Rodríguez cree que en este momento Cuba "pide a gritos" la "revisión de muchas cosas", según dijo este sábado en La Habana en la presentación de un nuevo disco que considera pudiera ser "muy controversial" porque está volcado hacia problemas de "la realidad" de la isla.
"Creo que este es un momento en el que sí, la revolución, la vida nacional, el país, pide a gritos una revisión de montones de cosas, desde conceptos hasta instituciones", afirmó Rodríguez durante una concurrida rueda prensa en la Casa de las Américas de La Habana, que fue trasmitida en directo por Internet.
El músico, de 64 años, señaló que "hay muchas cosas que revisar en Cuba y que he escuchado siempre extraoficialmente (...) y jamás, por supuesto, lamentablemente en nuestra prensa, que esas cosas se están revisando. Dios quiera que así sea".
"La cosa de reinventar la revolución siempre ha estado vigente, lógicamente es cierto que no siempre se ha conseguido, a veces hemos caído en la retórica, a veces nos hemos adormecido", reconoció el cantautor durante la presentación en Cuba de su disco "Segunda cita", a la que asistió el ministro de Cultura, Abel Prieto, junto a numerosos intelectuales y artistas.
Rodríguez se manifestó partidario de que "el mundo hable de lo que desee hablar" y de que los cubanos hagan "lo mismo", pues dijo que siempre le ha parecido muy bien "que se amplíe la posibilidad, el acceso a decir, a comentar, a criticar, a opinar, a discutir".

Señaló que está viendo de modo "un poco amplificado" situaciones hacia y contra Cuba que durante los últimos 50 años ha visto "idénticas" y afirmó que sigue teniendo "muchas más razones para creer en la revolución que en sus detractores".
Con respecto a la acogida que ha tenido su último disco, lanzado internacionalmente el año pasado, opinó que puede resultar "muy controversial" en la isla porque "está vuelto hacia los problemas de nuestra realidad, (de) los conflictos que todos sabemos que hay".
"Son ideas que como siempre un cantor lanza para participar de esa manera en el debate", agregó.
"Segunda cita" reúne 12 temas compuestos entre 2003 y 2009 y, según Rodríguez, las canciones más referidas a la vida cubana son justamente las que han ignorado las primeras críticas internacionales, pues "no lo entienden, obviamente".
El disco incluye una canción dedicada a la artista chilena Violeta Parra y otra titulada "San Petersburgo", basada en una historia inédita del escritor colombiano Gabriel García Márquez, a quien Rodríguez conoció durante un viaje que realizaron juntos a México.
A una pregunta de un internauta sobre el conflicto entre Cuba y Estados Unidos, el autor de "Unicornio" y "Ojalá" respondió que no hay duda del hostigamiento que ha sufrido la isla, pero en su opinión "también tenemos responsabilidad nosotros, no es solo el hierro que nos mandan de afuera, es como hemos usado ese hierro nosotros".
Se declaró convencido de que "el bloqueo (económico y comercial de EE.UU. contra la isla) hay que terminarlo", al tiempo que ve "muchas anormalidades, propias y externas", que rodean a su país.
"No podemos echarle toda la culpa a ellos (EE.UU.) porque es mentira. Nosotros sabemos que tenemos culpa también. Y creo que vamos a ser mejores y vamos a ser más grandes si lo reconocemos y si las enfrentamos sin miedo. Eso es lo que pienso", sostuvo.
Confirmó que tiene una invitación para viajar a Estados Unidos, adonde espera viajar si no le denegan la visa para actuar en ese país, como ha ocurrido en varias oportunidades anteriores.
Rodríguez reveló que, tras pasar cinco meses "trancao" a causa de una hepatitis, está ahora enfrascado en la composición de la música para dos películas y sigue haciendo canciones, aunque no puede programarlas y "eso es mejor no forzarlo".

EFE
(27/03/2010)

Texto tomado de http://www.2001.com.ve/noticias_2001online.asp?registro=122132 Imagen de http://www.eldia.es/2007-09-05/gente/gente343.htm

A media mañana

2010-01-26T06:28:00.000-04:30

Arturo Álvarez D´ Armas

A media mañana

el bulevar

es sacudido por un viento feroz

pájaros alborotados

en grandes remolinos

buhoneros

detrás de la mercancía voladora

arribaron los alisios de febrero

silva como en la madrugada

es Eolo

Dios de los vientos

vencedor de Helios

espejismo de un día.

---------------------------------------A Luisa Rivas

Imagen tomada de http://www.divulgameteo.es/radio.asp?page=10&idc=1&id=10

El Anamorfismo...averiguando sobre las técnicas usadas en el lenguaje plástico

2010-01-21T15:55:00.001-04:30

Blanca Allegra

La palabra anamorfismo, podríamos confundirla o relacionarla erróneamente, citando frases que leí en la web...”no se trata ni de diagnóstico traumatológico, ni de software, ni de colores predeterminados”...
Siempre hemos sabido del uso de variadas técnicas para engañar al ojo y lograr efectos visuales, también llamados “trucos” usados en el arte para lograr en un plano bidimensional: ( alto y ancho) como una pared, una acera, un block, formas o imágenes tridimensionales, es decir, que contengan las tres dimensiones (alto- ancho y profundidad). Así nació la perspectiva.

El anamorfismo es una técnica muy usada por los artistas, en especial pintores, diseñadores, fotógrafos , en el cine y particularmente por artistas gráficos y urbanos, consiste en crear ilusiones ópticas, logradas a través de la perspectiva, donde el artista plasma una imagen conocida, real o no, que aparentemente se presenta distorsionada o deforme, ambigua, reversible, quizás sin sentido, logrando cautivar y al mismo tiempo confundir el punto de vista del espectador y que este a su vez puede apreciar o descubrir, revertiéndola a su forma convencional, luego de observarla detenidamente, o desde otro ángulo visual o a través de métodos no convencionales, como un espejo curvo.
De ello se entiende que en el uso de esta técnica, el artista concientemente plasma imágenes distorsionadas que son conocidas o reales, reversibles, precisamente para que en el proceso de reversión, que se producirá en la mente del espectador, este último reconozca la imagen y la revierta a su estado convencional o real. Se trata pues de una Metáfora, sobre la cual trabajan los artistas plásticos, que en conjunción con el uso de elementos de expresión plástica (líneas, colores, valores o texturas) y su imaginación, serían como el equivalente a las palabras en ese lenguaje plástico universal. Históricamente en base a ese “mensaje subliminal” que conllevan, sus usos por los artistas en general, ha sido entre otros como diversión, espionaje, publicidad, política. Muchos hemos recibido correos electrónicos con los trabajos de artistas que han usado esta técnica. En muchos casos se refieren a ella como un procedimiento matemático, lógicamente por su relación con la perspectiva visual, que tiene su base en la geometría . También es conocida como perspectiva deformada.

En el Cine, es usada con ejemplos como el Cinema Scope, en el que mediante lentes anamórficos, se registran imágenes comprimidas que producen una pantalla ancha al ser descomprimidas durante la filmación. Películas en las que se usó esta técnica están: The Robe, dirigida por Henry Koster, y la película española “La Túnica Sagrada”.
En Wikipedia, cito el uso de esta técnica en pinturas famosas : .”..El cuadro de Los Embajadores de Hans Holbein el Joven contiene a los pies de la tabla la anamorfosis de una calavera, como ejemplo de vanidad.

Está pintada de manera que sólo podemos reconocerla con una vista rasante.

Para corregir la deformación y poder observar la calavera sin la utilización de un medio informático, nos podemos valer del dorso de una cuchara. De manera que el reflejo sobre la superficie curva y reflectante de la cuchara, corrige el efecto de la perspectiva en la pintura.
Cuadro de los embajadores donde se puede observar la anamorfosis de la calavera. Uso de una cuchara para corregir la deformación.”

Entre los artistas gráficos, resalta por su ingenio y expresividad M. C. Escher, que fué un artista holandés, conocido por sus grabados en madera, xilografías y litografías, que tratan sobre figuras imposibles, y mundos imaginarios, basados como el mismo lo describió en imágenes circundantes e imágenes interiores. Se consideraba más un matemático, por su pasión a la geometría y a la perspectiva.
En la web se hace referencia a muchos ejemplos de artistas urbanos, cuyas obras tienen en común que fueron hechas para el aprecio de todos, en lugares públicos, poniendo a las personas en contacto directo con el arte y donde generalmente el transeúnte la observa deforme o ambigua, plana, pero al ser observadas desde el ángulo de quien toma las fotos parecen emerger del suelo o estar sumergidas en él. Entre ellos están:

Eduardo Relero es un artista argentino de Rosario que reside en España, donde realiza en el suelo de distintas ciudades dibujos anamórficos con temas satíricos o de crítica social. Kurt Wenner, artista norteamericano, trabajó para la NASA, vive desde 1982 en Italia, su particular estilo es el figurativo neoclásico . Julian Beever artista britanico dibuja escenas anafórmicas con tiza en las aceras, distorsionadas que al caminar por la calle se ven con la perspectiva correcta y toman su estado final.

CULTURA SUBTERRANEA

Teatro serio: el Movimiento Occupy y los cuernos gemelos de la opresión y la revolución*

Publicación: 08/12/2011 10:34 amAutor: Aeolus Kephas

Provocador ensayo en que Aeolus Kephas explora la faceta des-ilusionante del Movimiento Occupy y cómo la revolución, esencialmente egoísta, termina fortaleciendo las estructuras a las que cree oponerse.

Murió Christa Wolf, una controvertida y emblemática autora de la literatura alemana*

La escritora alemana Christa Wolf, que hoy murió a los 82 años en Berlín, fue una de las figuras emblemáticas de la literatura germana y llegó a ser mencionada varias veces como candidata al Premio Nobel.

POR EFE

Sexo inter-especies: Crónica de un romance entre un hombre y un delfín*

En fotos: Lo mejor de la “marcha de las p…” en Washington y Berlín

La marcha en Berlin

En fotos: Las calles de Praga fueron escenario del orgullo gay

Damien Hirst*

Biografía

Referencias

Muere el escritor Eliseo Alberto, “Lichi”, a los 59 años

Biografía

Obras

Poemarios

Novelas

Otros

Premios y distinciones

Referencias

Eliseo Alberto trae al Conde Eros a la FIL

El erotismo dejó de ser arte con Playboy

Habana gay

Eliseo Alberto

La infancia de Teodoro Petkoff, en El Batey*

Sobre la autora

Muere Cy Twombly

Cy Twombly

Fallece en Roma el pintor, escultor y fotógrafo estadounidense Cy Twombly

Van Gogh no era Van Gogh*

Theo Van Gogh

Otras sorpresas

Hoy en 1890 nace el más sombrío poeta venezolano

Por Alejandro Pacheco / Noticias24

Minarquismo

Localizan restos de cuatro príncipes Romanov en San Petersburgo

Prostitutas del “barrio rojo” de Amsterdam pasan hambre debido a la baja clientela

En fotos: “Falos y Vaginas”, una muestra artística que rinde culto a Eros en Colombia

Sexo, orgías y pornografía: una extraña manera de defender el medio ambiente

Delara Darabi, la prisionera de los colores*

Arte marginal*

Artistas marginales famosos

Pintores Art brut

Bibliografía

Un poeta vietnamita recibió el premio Libertad de Publicación

EL CISNE NEGRO (Y EL BLANCO)

El presidente de la Federación Internacional dice que el ajedrez lo trajeron los extraterrestres*

Puertas de Galina: Poética de las puertas

EL PRETÍL DEL CORREDOR

Arte a base de pintura, sangre y dolor

SALVACIÓN PROVISORIA*

La historia negra del tango. Todo tiene su “historia negra”, pero de esta estamos orgullosos

GRACIELA PÉREZ

REX NETTLEFORD (1933 - 2010)

Silvio Rodríguez cree que Cuba "pide a gritos" la "revisión de muchas cosas"

A media mañana

El Anamorfismo...averiguando sobre las técnicas usadas en el lenguaje plástico

Publicación: 08/12/2011 10:34 am
Autor: Aeolus Kephas